最懂华东师范大学音乐考研的团队

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五星推荐

上海地区招音乐考研的院校屈指可数，上海音乐学院、华东师范大学、上海师范大学，这三所学校是主流。另外还有上海大学、同济大学，这种名额很少，不是各位考生的首选。上海音乐学院，专业性全国TOP，与央音属于同级别，差也差不了哪去。如果考技能类，水平不行，很难考。考理论类可以考虑。

上海师范与华东师范，如果没有特别要求，王老师首推华东，位列国家“双一流” “985工程” “211工程”，入选"强基计划" “2011计划” “111计划” "国培计划"等。作为师范类四大名校之一，与上海师范完全不是一个级别，而且考试难度甚至比上海师范还要低：华东专业课初试考和声曲式+中西音乐史，上海师范除了和声曲式+中西音乐史，还要考另外一门专业课。还有特别重要的一点就是华东师范，毕业后可以拿上海户口，而其他院校都不行。特别适合想要在上海地区工作、甚至定居的考生。

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王老师敲重点：

推荐专业：专硕，一共7个方向，招生41人（含推免）。

专硕

在上海地区，上音与上师，初试考试科目都挺多，上音三史+和声曲式（还考和声写作），在初试备考上就有很大优势。另外，他的考试难度也比较简单。官方参考书，很多年都没变过，意义也不大。PS：有些书根本就是摆设，从来不考。就这两年来看，分数线一直往下降。这个学院原本没有那么火，网上很多盛传比较黑的小道消息。但是直通车学员连续4年，一共录取十几人。真的很公平，于是乎我都是强烈给我的学员安利这个学校，结果导致了2020-2022这段时间，复试分数线高的变态，400+。显然英语政治不好的直接就淘汰了。专业课基本都是140+，有部分学院改卷放水原因。终于在这两年又回归到了正常值，去年复试线369，这个在这种顶级师范中真的很nice了！

去年上岸学员

3、关于学硕：招生名额少，3个方向招4人。大家注意一下，华东师范大学学硕与专硕初试考试的专业课完全就是同一套试卷。所以在初试上，不存在学硕就比专硕难。什么样的同学适合考华东的学硕呢？王老师给两点指标：1、文化课成绩好，尤其是英语。2、专业技能差。如果符合这个标准的考生，也是欢迎报考的。虽然招的少，报名的考生也少，竞争对手比专硕要少很多。

学硕

2025年华东师范大学617中西音乐史真题解析！

【一】名词解释

1、陶埙

陶埙是中国最古老的闭口吹奏乐器之一，距今已有七千多年历史。它多以陶土制成，外形多样，有梨形、卵形、球形等，通常顶部有吹孔，腹部有若干按音孔，通过吹奏者气息的控制和指法的变换，能发出古朴、醇厚、悠远的声音，音域较为宽广，可吹奏出多个不同音高的乐音，表现力丰富。其音色独特，或空灵婉转，或低沉哀怨，能营造出宁静、悠远、神秘等多种氛围，常用于独奏、合奏以及传统音乐演奏中，承载着深厚的中国传统文化内涵，是中国古代音乐文化遗产的重要象征之一。

2、短箫铙歌

短箫铙歌是汉代的一种军乐。

从乐器构成来讲，“短箫” 是吹奏乐器，其音色较为高亢嘹亮。“铙” 是一种打击乐器，声音雄浑壮阔。二者配合演奏，形成了独特的音乐风格。

在使用场合方面，这种音乐主要用于军队凯旋、祭祀等重要仪式，以展现军队的威武雄壮和庄重肃穆的氛围。例如在军队凯旋时奏响，能极大地振奋军心，鼓舞士气。其曲调往往气势磅礴，节奏鲜明有力，是汉代音乐文化的重要组成部分，也为后世研究汉代的军事文化和音乐艺术提供了重要的素材。

3、《碣石调·幽兰》

《碣石调・幽兰》是中国古代琴曲。

它是目前所知中国最早的琴谱，采用文字谱的记谱方式，即用文字详细描述古琴演奏的指法、弦位和音高，这种记谱法是古琴记谱早期的重要形式。从曲调风格上看，曲调深沉而悠远，带有一种古朴典雅的韵味。其音乐主题似乎在表达一种高洁、孤寂的情感，宛如空谷幽兰散发的淡雅气息。这首曲子在古琴音乐史上地位极高，对后世古琴音乐的发展、琴谱的演变等诸多方面产生了深远的影响，是中国古代音乐文化宝库中的珍贵遗产。

4、牌子曲

牌子曲是一种传统的曲艺形式。它是将许多曲牌联缀起来讲唱故事。这些曲牌大多来源丰富，有的是从古代民间小曲、俗曲演变而来，有的是从戏曲中的曲调摘取而来。在演唱时，演员根据故事情节和情感表达的需要，灵活地选用和组合不同的曲牌。其音乐风格丰富多样，能表现出欢快、哀怨、激昂等多种情绪。从表演形式上看，演唱者一般手持乐器，边弹边唱，同时还会有一些简单的动作辅助表演。牌子曲在各地有着不同的种类，像北京单弦牌子曲、山东八角鼓等，是民间艺术中极具特色的部分，深受群众喜爱。

5、黄自

黄自是中国近代著名的作曲家、音乐教育家。在音乐创作方面，他的作品题材广泛，风格典雅精致。其艺术歌曲情感细腻，旋律优美，如《玫瑰三愿》，将诗词与音乐完美融合，借玫瑰之口表达出对美好事物的珍惜与担忧。在合唱作品中，《旗正飘飘》展现出强烈的爱国情怀，节奏铿锵有力，激励人心。作为音乐教育家，他曾在多所学校任教，培养了众多优秀的音乐人才。黄自为中国近代音乐的发展做出了巨大贡献，他的作品和教育理念推动了中国专业音乐创作和音乐教育的进步，在中国音乐史上有着重要的地位。

6、经文歌

经文歌是中世纪和文艺复兴时期重要的声乐复调音乐体裁。它起源于 13 世纪的欧洲，最初是在克劳苏拉的基础上形成。经文歌的歌词通常是宗教性的，取自《圣经》或其他宗教经文。在结构上，它以一个固定的旋律（如圣咏）作为基础，在其上方添加多个不同旋律线条的声部。这些声部在节奏和旋律上相互交织，形成复杂而精美的复调效果。其演唱形式多样，可由独唱者或合唱团演唱。随着时代的发展，经文歌在不同地区呈现出不同的风格特点，如法国经文歌较为华丽，而意大利经文歌可能更注重旋律的流畅性。它在西方音乐历史的发展进程中起到了承上启下的关键作用。

7、拉索

文艺复兴时期佛兰德乐派最后一位作曲家代表，文艺复兴音乐的集大成者。在音乐风格上，拉索的作品融合了多种元素。他的宗教音乐庄严神圣，像弥撒曲等作品，旋律优美且富有表现力，以精湛的复调技巧著称，通过不同声部的交织展现出宏大而深邃的宗教情感。同时，他的世俗音乐充满活力，有牧歌等多种体裁，生动地描绘了当时的世俗生活场景和人们的情感世界。拉索创作的音乐数量庞大，涵盖众多体裁，对当时及后世的音乐发展产生了深远的影响，推动了文艺复兴时期音乐风格的进一步成熟。

8、大协奏曲

大协奏曲是巴洛克时期重要的器乐体裁。它的主要特点是采用小组乐器（称为 “主奏部”）与乐队（称为 “协奏部”）相互对抗、协作的形式。主奏部通常由几件乐器组成，如两把小提琴和通奏低音乐器等，它们演奏较为华丽、技巧性高的旋律线条；协奏部一般是弦乐队，提供和声支撑等背景作用。在音乐结构上，大协奏曲通常有多个乐章，各乐章之间在速度、情绪等方面形成对比。其音乐风格既有着巴洛克时期典型的宏伟壮丽、庄重典雅，又通过主奏部和协奏部之间的互动产生丰富的音响效果，为听众带来宏大而精致的听觉体验，代表作品如维瓦尔第的《四季》。它对后世协奏曲等体裁的发展有着深远的影响

9、《费加罗的婚礼》

《费加罗的婚礼》是莫扎特最杰出的歌剧之一。这部歌剧脚本源于法国剧作家博马舍的同名喜剧。故事围绕着费加罗和苏珊娜的婚礼展开，充满了错综复杂的人物关系和情节冲突。其中有贵族老爷妄图恢复封建特权下的初夜权，而费加罗、苏珊娜等人物与之进行巧妙的斗争。莫扎特用他天才的音乐创作，将喜剧元素与紧张的情节交织，通过美妙的咏叹调、重唱等形式展现人物的性格与情感。如苏珊娜的咏叹调活泼俏皮，生动地体现了她的聪慧形象。这部歌剧以其对封建制度的批判和音乐的美妙，在歌剧史上占有极高的地位。

10、强力集团

“强力集团” 也被称为 “五人团”，是 19 世纪 60 年代俄国的一个作曲家团体。其成员包括巴拉基列夫、居伊、穆索尔斯基、里姆斯基 - 柯萨科夫和鲍罗丁。他们有着共同的目标，即发展俄罗斯的民族音乐。在创作上，他们从俄罗斯民间音乐中汲取灵感，作品展现出浓郁的俄罗斯风格。例如，穆索尔斯基的《图画展览会》，通过音乐描绘出一幅幅生动的俄罗斯生活画卷；里姆斯基 - 柯萨科夫的《天方夜谭》则带有奇幻的东方色彩。“强力集团” 的出现推动了俄罗斯民族乐派的蓬勃发展，为俄罗斯音乐在世界音乐舞台上赢得了重要地位。

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二、论述题

1.请从唐代音乐机构和音乐制度两方面论述唐代音乐的发展

唐代音乐机构对音乐发展的促进

太常寺：

大乐署：作为唐代掌管礼乐的最高行政机关太常寺下属机构，大乐署兼管雅乐和燕乐，既负责国家祭祀和重大宴飨活动的乐舞表演，又主管音乐艺人的训练和考核。其教学活动组织严密，由专门的音声博士负责乐工的教习，对从业人员业务水平要求严格，学习时间一般为 10 年，可延长至 15 年，且规定 “得难曲五十以上任供奉者为业成”，能够掌握五十首以上高难度的乐曲才算完成学业。这种严格的训练和考核制度培养了众多专业技能高超的音乐人才，为唐代音乐的高水平发展提供了坚实的人才基础，保证了雅乐和燕乐等宫廷音乐的质量和传承。

鼓吹署：负责指挥和引导各种仪仗队，管理仪仗活动与宫廷礼仪活动中的鼓吹乐，兼管百戏。其人员从京城周边府县的乐户中调集，轮流训练和值班。鼓吹署的存在使得唐代的仪仗和宫廷礼仪活动有了与之相匹配的音乐形式，丰富了宫廷音乐的种类和应用场景，同时也促进了鼓吹乐这一音乐形式的发展和传承。

教坊：教坊是宫廷中掌管俗乐的乐舞机构，分为左右教坊。左教坊擅长排舞，右教坊擅长歌唱。教坊的存在对古代宫廷戏剧及至民间戏剧的发展起到了重要作用。唐玄宗时期，教坊得到了进一步的发展，设立了多种教坊，使各种艺术形式独立共存。

梨园：梨园是由唐玄宗亲自设立的音乐、歌舞机构，主要教习法曲。梨园弟子能得到唐玄宗的亲自指导，成员包括乐官、乐师、乐人等。梨园法部还专门成立了“少幼班”，培养年轻的音乐人才。梨园的设立不仅提升了音乐表演艺术，还促进了音乐文化的传承 。

唐代的音乐制度

唐代的音乐制度非常完善，主要体现在以下几个方面：

乐制：唐代制定了详细的乐制，包括雅乐、俗乐和胡乐三大类。雅乐主要用于祭祀、朝会等正式场合；俗乐则在民间广泛流传，涵盖各种形式的音乐和舞蹈；胡乐是吸收了西域及周边地区的音乐元素，体现了唐代开放包容的文化特征。

乐谱：唐代使用燕乐谱和律吕谱两种记谱法。燕乐谱主要用于记载歌舞音乐，律吕谱用于记载宫廷雅乐。唐代还出现了对乐谱进行整理和改进的现象，如《贞观乐谱》的编纂，这对后世音乐的发展产生了深远影响。

乐工制度：唐代对音乐家和演奏者的管理也非常严格，设有专门的乐工制度。乐工分为不同的等级，享有一定的社会地位和待遇。宫廷还设有专门的乐工考试制度，通过考试选拔优秀的音乐人才。

音乐传播：唐代音乐不仅在国内广泛传播，还通过丝绸之路传播到东亚、南亚及中亚等地区。唐代音乐的传播和交流促进了中外音乐文化的融合，增强了唐代音乐的影响力。

总结

唐代音乐的发展得益于其完善的音乐机构和制度。教坊和梨园作为重要的音乐机构，为宫廷和民间音乐的发展提供了强有力的支持。详细的乐制、先进的记谱法、严格的乐工制度以及音乐的广泛传播，构成了唐代音乐繁荣发展的基础。这些因素共同推动了唐代音乐的繁荣和辉煌，使其成为中国音乐史上的重要篇章。

2.从冼星海的思想为核心论述他的音乐创作

冼星海思想核心有强烈民族意识、爱国情怀及为大众服务、以音乐为武器进行革命斗争。

早期思想

冼星海早年受到西方音乐教育的影响，对西方音乐理论和技术有着深刻的理解。他在巴黎国立音乐学院的学习经历，使他接触到了欧洲古典音乐的精髓，同时也接受了现代音乐的熏陶。然而，这一时期的冼星海尚未形成明确的政治立场，他的音乐创作主要集中在个人情感的表达和技术的探索上。

回国后的思想转变

1935年，冼星海从法国回到上海，正值中国抗日战争爆发前夕。这一时期，他开始关注国家和民族的命运，积极参与抗日救亡运动。1937年全面抗战爆发后，冼星海的政治思想逐渐成熟，他意识到音乐不仅是个人情感的表达，更是唤起民众抗日斗志的重要工具。他加入了中国共产党，成为一名坚定的无产阶级革命家。

抗战时期的激进思想

在抗战时期，冼星海的思想更加激进，他坚信音乐应该为人民服务，为民族解放事业服务。这一时期，他创作了大量的抗日歌曲，如《保卫卢沟桥》《到敌人后方去》《青年进行曲》和《救国军歌》等。这些作品不仅具有强烈的战斗性和号召性，还融入了深厚的民族情感，成为激励中国人民抗击侵略的精神武器。

晚年的思想深化

1940年，冼星海前往苏联，继续从事音乐创作和研究工作。在苏联期间，他进一步深化了对马克思主义的认识，对音乐的社会功能有了更深刻的理解。他认为，音乐不仅是艺术的表现形式，更是社会变革的重要力量。这一时期，他的音乐创作更加注重民族性和人民性，作品如《在太行山上》《游击军》和《反攻》等，不仅展现了抗日战争的壮美图景，还表达了对未来的美好憧憬。

3.请比较舒曼和舒伯特的艺术歌曲创作

一、舒伯特与舒曼艺术歌曲创作的相同点

诗歌与音乐的融合

舒伯特和舒曼的艺术歌曲创作都非常注重诗歌与音乐的融合。他们都选取著名诗人的抒情诗篇进行创作，力求让音乐能够完美地表达出诗歌中的意境与情感。例如，舒伯特选取歌德、米勒等诗人的作品当作歌词，通过对旋律细致精确的处理，使歌词与旋律完美结合并展现出歌词的内容，形象生动地表达人物的思想情感；舒曼同样注重将诗歌的内涵通过音乐展现出来，使音乐与诗歌相互呼应，增强歌曲的表现力。这一特点也是艺术歌曲这种声乐体裁的重要审美特征之一，他们都很好地遵循并发展了这一特征，将音乐与诗歌的融合推向了很高的境界，让艺术歌曲充满诗意与音乐美。

钢琴伴奏的重要性

在他们的艺术歌曲创作中，钢琴伴奏都占据非常重要的地位。钢琴伴奏不仅仅是简单地为歌声伴奏，更是用于渲染气氛、烘托形象、抒发情感和描绘意境。如舒伯特的《魔王》中，钢琴伴奏通过沉重有力的八度低音、装饰音、滑音的巧妙应用来展现曲中孩子的呼救声、黑夜森林里的风声、恐怖压抑的黑暗氛围；舒曼的艺术歌曲里，钢琴伴奏也起到类似的作用，通过不同的音型、力度等变化来塑造音乐形象，辅助歌声表达情感，使整个作品更加丰富饱满。

二、舒伯特与舒曼艺术歌曲创作的不同点

创作风格

舒伯特的艺术歌曲具有非常浓厚的浪漫主义色彩，同时又朴实自然、贴近生活、通俗易懂，他用歌曲来抒发对生活与自然的无限情感，抒情性很强。他的作品如《菩提树》《野玫瑰》等，旋律简单却富有感染力，能让听众轻易地感受到歌曲中的情感。而舒曼的艺术歌曲则更多地反映出德国浪漫主义的优点与弱点，他的作品风格更为内敛、细腻，情感表达相对含蓄，有时带有一种梦幻般的感觉，他的创作往往更加注重内心世界的刻画。

结构形式

舒伯特的歌曲结构有分节歌、通体歌和变化分节歌三种比较典型的形式。像《野玫瑰》是分节歌形式，用一样的旋律配上三段不同的歌词，结构朴素清晰；《魔王》是通体歌形式，音乐长而不重复性地跟随歌词从头贯穿到尾；《小夜曲》等是变化分节歌形式，在重复旋律时会根据歌曲情绪变化旋律的速度、伴奏织体、和声等。舒曼的艺术歌曲结构形式则更多样化且较为复杂，不拘泥于这几种形式，更多地根据诗歌的结构和情感表达的需要进行灵活创作，结构上可能更富有变化性和灵活性。

4.请论述20世纪民族乐派音乐创作的风格及 代表作曲家

20世纪民族乐派的音乐风格具有以下几个显著特点：

1.调式和音阶：作曲家们广泛采用民间音乐中的调式和音阶，如五声音阶、六声音阶等，这些调式和音阶突破了传统的大小调体系，赋予音乐更加丰富的色彩和情感表达。

2.节奏：民间音乐的节奏复杂多变，常常包含不规则的节拍和复杂的节奏模式。20世纪民族乐派的作曲家们在作品中大量运用这些节奏，使音乐更具活力和动感。

3.和声：在和声方面，作曲家们借鉴了民间音乐中的和声手法，创造出新颖的和声效果。例如，巴托克在他的作品中使用了大量的平行和弦和不协和音，形成了独特的和声语言。

4.旋律：民族乐派的旋律通常简洁明快，富有歌唱性，反映了民间音乐的自然和朴实。作曲家们在创作中保留了这些特点，同时加以创新和发展。

代表作曲家及其作品巴托克

匈牙利作曲家巴托克是20世纪民族乐派的杰出代表之一。他深入研究和收集了匈牙利、罗马尼亚等地的民间音乐，并将其融入自己的创作中。巴托克的作品如《弦乐四重奏》、《蓝胡子公爵的城堡》等，展现了他对民间音乐的深刻理解和创新应用。

柯达伊

匈牙利作曲家柯达伊与巴托克有着相似的音乐理念。他同样致力于民间音乐的研究和传承，创作了许多具有浓郁民族特色的音乐作品。柯达伊的代表作包括《马罗采克舞曲》和《匈牙利民歌集》等。

西贝柳斯

芬兰作曲家西贝柳斯是20世纪民族乐派的重要人物之一。他的作品深受芬兰民间音乐的影响，充满了北欧的神秘和自然之美。西贝柳斯的代表作《芬兰颂交响诗》和《第二交响曲》等，不仅展现了他对民族音乐的热爱，也体现了他在音乐形式上的创新。

结论

20世纪民族乐派的作曲家们通过深入挖掘和传承本民族的音乐遗产，结合西方现代音乐的创作手法，形成了独特的音乐风格。他们的作品不仅丰富了世界音乐的宝库，也为后世音乐家提供了宝贵的创作经验。20世纪民族乐派对现代音乐的影响深远，其贡献不容忽视。