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学员上岸心得

五星推荐

王老师敲重点：

哈喽大家晚上好，我是你们的王老师！这是我的第几十篇关于浙音的文章了，旧文点击文章开头跳转链接查询即可。

今年没有改革，音乐专业全日制招生局部进行细微调整！

首先是招生人数上：今年学硕总名额为38人，去年 45人，少7个名额。今年专硕总名额147人，去年131人，增加16人。总计增加9人。

具体变化如下，左边数字代表今年招生人数，右边数字代表去年招生人数

学硕：中国音乐史 5 8；民族音乐学6 5；歌剧学1 2； 音乐教育学 5 8；

专硕：作曲7 6；电子音乐作曲9 6；音乐录音3 2；音乐教育13 10；音乐教育（合作办学）12 10；民族声乐演唱9 10；民族乐器演奏 16 17；西洋乐器演奏 8 11；流行乐器演奏 1 2；艺术管理11 8

其次，今年专硕增加了3个新的招生方向：声音与混合媒体艺术，招生2人。音乐剧演唱，招生2人。音乐剧制作人，招生2人。

各科目参考书没有发生大的改动，考试题型、分值、命题风格与去年完全一致 （ps:学硕701改革，见今日另一篇文章），27研的同学们按照去年文章的备考建议即可。

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2026年【浙音711专硕中西音乐史】真题解析！

名词解释

中音史

1.清商乐

清商乐是魏晋南北朝至隋唐时期盛行的民间俗乐体系，由汉魏相和歌发展而来，融合江南吴歌、荆楚西曲等地域音乐。其旋律抒情婉转，节奏轻快灵动，伴奏以丝竹乐器为主，代表作有《子夜歌》《西洲曲》。它是这一时期音乐的核心载体，既保留中原音乐传统，又吸纳地方特色，对隋唐燕乐的形成产生重要影响，是中国古代俗乐发展的关键阶段。

2.变文

变文是唐代盛行的说唱音乐形式，源于佛教讲经布道，以佛经故事、历史传说、民间故事为题材。其核心特征为“说唱结合”，散文部分用于叙事，韵文部分用于吟唱，语言通俗直白，便于大众理解接受。无固定代表作品，现存敦煌变文残卷有《目连救母变文》《伍子胥变文》等。它推动了说唱音乐的成熟，是中国民间叙事音乐的重要源头，对后世戏曲、曲艺的发展影响深远。

3.减字谱

减字谱是唐代曹柔在古琴文字谱基础上创制的古琴专用记谱法，通过简化汉字笔画，以符号记录古琴的演奏指法、弦位、徽位。其优势在于能精准传达演奏技法，保留音乐的活态传承，弥补了文字谱繁琐晦涩的缺陷。历代古琴经典曲目如《广陵散》《梅花三弄》均以减字谱流传，它为古琴艺术的系统传承提供了关键保障，是中国古代音乐记谱法的重要革新，至今仍被古琴界沿用。

4.沈心工

沈心工是中国近代音乐启蒙教育家，“学堂乐歌”运动的代表人物之一。他率先将西方音乐曲调与中文歌词结合，创编适合学堂传唱的乐歌，内容涵盖爱国教育、伦理道德、日常生活等。代表作有《体操—兵操》《黄河》等，其作品简洁易唱，兼具教育性与普及性。他推动了西方音乐文化的传入与中国音乐的近代化转型，为中国近代音乐教育体系的建立奠定了基础。

西音史

1.无终旋律

无终旋律是19世纪瓦格纳提出的歌剧音乐技法，常见于其“乐剧”创作。核心特征为旋律无明显终止式，以连绵不断的乐句衔接推进，通过主导动机的贯穿与变奏串联剧情，消除咏叹调与宣叙调的界限。代表作《特里斯坦与伊索尔德》中，无终旋律营造出朦胧的情感氛围，强化了戏剧的连贯性与张力，革新了歌剧音乐结构，对后世歌剧与交响乐创作影响深远。

2.兰迪尼

兰迪尼是中世纪晚期意大利音乐“新艺术”时期代表作曲家、演奏家。擅长管风琴演奏，创作以世俗歌曲“巴拉塔”为主，作品旋律优美流畅，多采用小调式。其核心音乐特征为“兰迪尼终止式”，代表作《我心愉悦》。他推动了意大利世俗音乐的发展，其终止式技法成为中世纪向文艺复兴音乐过渡的重要标志，对西方音乐和声发展有奠基作用。

3.帕勒斯特里纳

帕勒斯特里纳是文艺复兴晚期意大利宗教复调音乐大师，天主教音乐的重要代表。创作以弥撒曲、经文歌为主，风格严谨庄重，和声纯净和谐，强调歌词与旋律的精准契合，避免不协和音的生硬碰撞。代表作《马塞勒斯教皇弥撒曲》完美平衡了宗教功能与艺术审美，规范了宗教复调音乐创作范式，被视为文艺复兴复调音乐的巅峰，对后世宗教音乐发展影响深远。

4.新古典主义音乐

新古典主义音乐是20世纪20年代兴起的西方音乐流派，核心主张“回到古典”，反对浪漫主义过度情感化与表现主义极端化。特征为形式规整、情感克制，借鉴巴洛克与古典主义音乐范式，融合现代技法，追求音乐的纯粹性。代表人物有斯特拉文斯基、欣德米特，代表作《浦契涅拉》《乐队协奏曲》。该流派为20世纪音乐发展提供了多元路径，推动了传统与现代音乐的融合。

简答题

中音史

1.《乐记》的主要内容及历史意义

核心音乐思想与本质认知：提出“凡音之起，由人心生也；人心之动，物使之然也”，明确音乐源于人心对客观事物的感知，建立“心-物-声-音-乐”的逻辑链条。同时区分“音”与“乐”，强调“乐者，通伦理者也”，指出音乐并非单纯声响，而是蕴含伦理道德内涵的艺术形式，奠定了中国古代音乐“文以载道”的思想基础。

音乐的社会功能：一是教化功能，主张“乐教”与“礼教”相辅相成，“乐主和，礼主序”，认为音乐可调和人心、规范社会秩序，实现“移风易俗，莫善于乐”；二是情感表达功能，认可音乐是情感的自然流露，不同情感会催生不同风格的音乐，且音乐能引发听者的情感共鸣。

历史意义：

① 理论价值：是中国现存最早、最完整的音乐美学专著，系统总结了先秦儒家音乐思想，构建了中国古代音乐理论的基本框架；

② 实践价值：其“礼乐结合”的理念深刻影响了后世音乐教育与社会音乐实践，成为中国传统音乐文化的核心特质之一；

③ 文化价值：为研究先秦社会音乐、伦理观念提供了重要文献依据，是中国古代文化思想体系的重要组成部分。

2.马思聪的小提琴音乐成就

创作成就：构建中国小提琴音乐创作范式，是首位系统创作小提琴作品的中国作曲家。代表作《内蒙组曲》《西藏音诗》等，以民间音乐为核心素材，将内蒙民歌、西藏民间音调与西方小提琴演奏技法融合，突破西方音乐框架，实现“中国风格”的音乐表达，如《内蒙组曲》之《思乡曲》，以悠扬旋律传递家国情怀，成为中国小提琴音乐经典，为后续民族化器乐创作提供范例。

演奏与传播成就：奠定中国小提琴演奏艺术基础。其演奏风格兼具西方严谨技法与东方抒情韵味，擅长通过音色变化诠释民族音乐的细腻情感，曾在国内外多地巡演，将中国小提琴作品推向世界，打破西方小提琴音乐的垄断格局，提升了中国器乐音乐的国际影响力，同时培养了一批优秀小提琴演奏人才，推动演奏学科的早期发展。

学科与理论建设成就：推动中国小提琴学科体系构建。在音乐教育领域，明确小提琴教学的民族化方向，将民间音乐元素融入教学实践，编写适配中国学生的教学素材，完善教学体系；同时，其创作与演奏实践形成的“民族化”理念，为中国小提琴音乐的发展指明方向，促进了器乐音乐理论的本土化探索，对整个中国现代器乐发展具有奠基性意义。

西音史

1.古典交响曲的结构特点

固定四乐章结构范式：确立“快—慢—舞曲—快”的四乐章经典框架，各乐章功能明确、对比互补。第一乐章多为快板，奠定作品基调；第二乐章慢板，提供情感舒缓的对比；第三乐章为舞曲性快板（常为小步舞曲或谐谑曲），增添活力；第四乐章快板，以热烈收尾，形成完整的情感与结构闭环，体现古典主义的秩序美。

核心结构原则与调性布局：以“奏鸣曲式”为核心架构，尤其贯穿第一乐章，包含呈示部（主部+副部，调性对比鲜明，如主调→属调）、展开部（调性动荡，发展主题素材）、再现部（副部回归主调，实现调性统一）三大模块。全曲调性围绕主调展开，各乐章形成调性呼应（如第二乐章多为近关系调，末乐章回归主调），强化结构的整体性与逻辑性。

乐队编制与声部织体特征：确立标准化管弦乐队编制（弦乐组为基础，加入木管、铜管、打击乐），声部织体清晰均衡。以主调织体为主，旋律线条突出，伴奏声部简洁有序；同时注重声部对话与层次对比，各乐器组分工明确（如弦乐承担主旋律，木管增添色彩，铜管强化力度），实现音响的丰满与和谐，契合古典主义“清晰、平衡、对称”的审美追求。

2.巴赫的器乐创作成就

键盘乐创作的巅峰成就：奠定西方键盘音乐发展基础，作品涵盖管风琴、古钢琴等领域。管风琴代表作《赋格的艺术》《管风琴弥撒》，将赋格形式推向极致，通过严谨的对位技法展现复调音乐的逻辑之美；古钢琴作品《平均律钢琴曲集》（两卷）首次确立十二平均律的实践价值，每首包含前奏曲与赋格，兼具技术训练与艺术价值，成为后世键盘教学的经典范本，被称为“钢琴音乐的旧约全书”。

管弦乐与室内乐的范式构建：推动管弦乐体裁规范化发展。代表作《勃兰登堡协奏曲》（六首）是巴洛克协奏曲的巅峰之作，创新采用多元独奏组与乐队的对话形式（如第一首的猎号、第三首的弦乐三重奏），确立大协奏曲的结构范式；小提琴作品《无伴奏小提琴奏鸣曲与组曲》，以单一乐器实现丰富的复调织体，拓展了小提琴的表现力边界，为后世弦乐独奏创作提供了技术与艺术参照。

音乐形式与技法的总结创新：集巴洛克音乐之大成，对复调技法、曲式结构进行系统性总结与突破。其复调创作融合赋格、卡农等多种技法，形成层次丰富、逻辑严密的音响效果；同时将民间音乐素材融入创作，赋予作品浓郁的民族性与生命力。巴赫的器乐创作不仅终结了巴洛克音乐时代，更为古典主义音乐的发展奠定了技法与审美基础，被誉为“西方音乐之父”。

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论述题

中音史

结合具体的作品论述那不勒斯歌剧的创作特征及历史意义。

17世纪末至18世纪，那不勒斯歌剧学派崛起并成为意大利歌剧的核心力量，其在题材选择、音乐形式、演唱技法等方面的创新，不仅推动了歌剧艺术的规范化发展，更对西方歌剧的后续演进产生了深远影响。代表作曲家包括亚历山德罗·斯卡拉蒂、莱奥纳多· Vinci等，代表作《泰奥多拉》《爱之火焰与冷酷》等集中体现了那不勒斯歌剧的核心特质。

一、那不勒斯歌剧的核心创作特征——以具体作品为证

1. 题材与结构的规范化：确立“正歌剧”三幕结构范式，题材多取材于古代神话、历史故事，聚焦英雄人物的命运与情感冲突。亚历山德罗·斯卡拉蒂的《泰奥多拉》以古罗马历史为背景，采用三幕结构展开剧情，每幕包含若干咏叹调与宣叙调，形成“宣叙调叙事、咏叹调抒情”的功能分工，使剧情推进与情感表达更具逻辑性。

2. 音乐形式的创新与定型：一是确立“返始咏叹调”（A-B-A'）的经典形式，如莱奥纳多·Vinci《爱之火焰与冷酷》中的咏叹调，通过主题呈示、对比展开与回归再现的结构，突出歌手的情感诠释与技巧展示；二是强化管弦乐的伴奏功能，采用弦乐为核心的乐队编制，为宣叙调提供简洁伴奏，为咏叹调营造丰满音响，提升了音乐的表现力。

3. 演唱技法的极致追求：推崇花腔演唱技巧，将声乐技巧与情感表达深度融合。那不勒斯歌剧的咏叹调中包含大量装饰音、快速音阶、跳进等花腔段落，如斯卡拉蒂作品中的女高音咏叹调，要求歌手具备高超的气息控制与声音灵活性，这种对演唱技巧的重视，推动了美声唱法的成熟与发展。

二、那不勒斯歌剧的历史意义与深远影响

1. 艺术范式价值：那不勒斯歌剧确立的正歌剧结构、返始咏叹调形式、宣叙调与咏叹调的功能分工等，成为西方古典歌剧的基本范式，为莫扎特、亨德尔等作曲家的歌剧创作提供了直接参照，如亨德尔的正歌剧作品便延续了那不勒斯歌剧的结构与音乐逻辑。

2. 声乐艺术的推动：其对花腔演唱与美声技法的推崇，促进了声乐训练体系的完善，培养了一批优秀的歌剧演唱家，使美声唱法成为西方歌剧的核心演唱范式，影响至今。

那不勒斯歌剧以规范化的结构、创新的音乐形式与精湛的演唱技法，完成了对早期歌剧的总结与超越，构建了西方歌剧的基本艺术框架。它不仅是意大利歌剧发展的巅峰阶段，更成为连接巴洛克歌剧与古典主义歌剧的重要桥梁。从历史维度看，那不勒斯歌剧将歌剧从“综合艺术的尝试”推向“成熟的音乐戏剧形式”，其艺术理念与创作范式渗透于西方歌剧的发展历程中，彰显了其在西方音乐史上不可替代的奠基性价值。

西音史

弦乐四重奏的产生与发展

弦乐四重奏以两把小提琴、一把中提琴、一把大提琴的经典编制，成为西方古典主义以来室内乐的核心体裁。它的产生与发展契合西方音乐从复调向主调转型的审美需求，历经启蒙时期的萌芽、古典主义的成熟、浪漫主义及后世的多元发展，形成了脉络清晰的演进轨迹。海顿、莫扎特、贝多芬等作曲家的创作，为这一体裁的定型与升华奠定了坚实基础，使其成为展现作曲家创作思维与音乐审美追求的重要载体。

一、萌芽与定型：古典主义早期的体裁奠基

18世纪中叶，弦乐四重奏在“嬉游曲”“小夜曲”等多声部器乐体裁的基础上逐步分化。奥地利作曲家海顿是弦乐四重奏的“奠基人”，其创作的《 Op.20 弦乐四重奏》（“太阳四重奏”）首次确立了该体裁的经典范式：四件乐器地位均等，摆脱了传统三重奏中低音声部的伴奏属性，形成“对话式”的声部织体。其中《D大调Op.20 No.6》的末乐章采用赋格形式，将复调技法与主调思维融合，彰显了体裁的艺术潜力。这一时期的作品多为四乐章结构，确立了“快—慢—舞曲—快”的框架，为后续发展提供了规范。

二、成熟与升华：古典主义鼎盛期的艺术突破

莫扎特进一步拓展了弦乐四重奏的表现力，其《海顿四重奏》（K.387、K.421等）借鉴海顿的结构范式，强化了旋律的抒情性与声部的均衡性。如《G大调K.387》第一乐章，通过主题的调性转换与声部交织，营造出丰富的戏剧冲突。贝多芬则将弦乐四重奏推向新的高度，其晚期四重奏（如《大赋格》Op.133）突破传统结构，融入哲学思考与情感深度，拓展了体裁的表现力边界。他的作品不仅丰富了和声语言，还引入了变奏曲、赋格等多元形式，使弦乐四重奏从“娱乐性体裁”升华为“严肃艺术表达”的载体。

三、多元演进：浪漫主义及后世的风格拓展

浪漫主义时期，弦乐四重奏成为作曲家表达个人情感的重要媒介。舒伯特的《死神与少女四重奏》（D.810）以歌曲旋律为素材，将浪漫主义的抒情性与戏剧性融入其中；勃拉姆斯的四重奏则延续古典传统，注重结构严谨性与和声的丰富性。20世纪以来，斯特拉文斯基、巴托克等作曲家突破调性体系，探索新的音响效果，如巴托克的《第六弦乐四重奏》运用民间音乐素材与现代作曲技法，赋予体裁新的时代特征。这一时期的作品在结构、织体、音色等方面不断创新，使弦乐四重奏始终保持着艺术活力。

弦乐四重奏的产生与发展是西方音乐审美演进的缩影，从古典主义的规范定型到浪漫主义的情感抒发，再到后世的多元创新，它始终承载着作曲家的艺术追求。作为室内乐的核心体裁，弦乐四重奏以“简约而不简单”的编制，实现了声部对话的极致美感，其确立的结构范式与艺术理念深刻影响了其他器乐体裁的发展。从历史意义来看，它不仅是西方古典音乐的重要瑰宝，更成为跨越时代、传递人类情感与思想的艺术载体，彰显了室内乐艺术“精致、均衡、深刻”的永恒价值。