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2025年【山西大学619中西音乐史】真题解析！

名词解释（每题5分）

中国音乐史

1.三分损益法

三分损益法是中国古代确定乐音体系中各音绝对高度及其相互关系的生律法。其原理基于数学运算，以弦长比例为基础。先将弦长 “三分损一”，即减去原长的三分之一，可得上方纯五度音；再 “三分益一”，即增加原长的三分之一，得出下方纯四度音。通过不断重复这一过程，推算出不同音高，构成音阶。春秋时期已广泛应用，对五声音阶、七声音阶的形成影响深远，奠定了中国古代音乐理论基础，体现了古人对音律规律的深刻认识与探索。

2.教坊

教坊是中国古代宫廷管理乐舞教习、演出的机构。始建于唐代，最初为教习、管理宫廷音乐的机构，后规模逐渐扩大，职能增多。它集中了众多优秀乐工、舞伎，汇聚各地音乐、舞蹈、百戏等艺术形式，对其进行整理、编排与创新。教坊的存在推动了宫廷音乐的繁荣发展，促进不同地区音乐文化交流融合，培养大量专业艺术人才，其艺术成果对后世戏曲、音乐等艺术形式的发展产生重要影响，是中国古代音乐文化传承与发展的重要载体。

3.教我如何不想它

《教我如何不想他》由刘半农作词、赵元任作曲，创作于 1920 年。歌词用质朴的语言，借景抒情，通过对春夏秋冬自然景色的描绘，委婉表达对祖国、亲人、友人的思念之情。旋律优美流畅，巧妙融合中国民族音乐元素与西方作曲技法，运用调性布局变化，增强音乐表现力。歌曲具有鲜明的时代特色，既展现新文化运动时期对个性解放、情感表达的追求，又在音乐创作上进行大胆创新，是中国近现代艺术歌曲的经典之作，传唱至今。

4.北京大学音乐传习所

在蔡元培倡导下，北京大学音乐研究会改组为北京大学音乐传习所。该所秉持 “兼容并包” 理念，汇聚众多音乐人才，如萧友梅等。课程设置丰富，涵盖中西音乐理论、乐器演奏等。不仅培养了大批音乐专业人才，还积极传播音乐知识，举办音乐会，推动音乐普及。它是中国现代专业音乐教育的重要开端，为中国音乐教育体系的建立和发展奠定基础，对提升社会音乐文化水平、促进中西音乐交流融合起到重要作用。

西方音乐史

1.等节奏

等节奏是 14 世纪欧洲音乐中一种重要的作曲技法。它通过在不同声部中重复使用固定的节奏型（塔利亚）和旋律型（克勒）来构建音乐。作曲家将这两种元素以不同方式组合，节奏型的重复次数、旋律型的移位等变化，能创造出丰富多样的音乐效果。等节奏技法使音乐在结构上具有严谨性与逻辑性，同时在重复中展现出微妙变化，增强音乐的表现力与复杂性。这种技法在经文歌等体裁中广泛应用，对 14 世纪欧洲音乐的发展产生重要影响。

2.幻想交响曲

《幻想交响曲》由法国作曲家柏辽兹创作。这是一部具有里程碑意义的标题交响曲，共五个乐章。作品以独特的标题性音乐，讲述一位艺术家充满奇幻色彩的爱情幻想。作曲家运用 “固定乐思” 手法，即一个代表恋人形象的主题旋律，在各乐章中以不同形式出现，贯穿全曲。音乐通过丰富的配器、强烈的情感对比和大胆的和声运用，生动描绘出主人公从梦幻般的爱情憧憬，到因失恋而陷入绝望、幻想等一系列内心世界，展现浪漫主义音乐注重情感表达与个性张扬的特点。

3.斯美塔那

斯美塔那是捷克民族乐派的奠基人。他致力于用音乐弘扬捷克民族文化，作品多以捷克历史、传说、自然风光为题材。代表作交响诗套曲《我的祖国》，生动描绘捷克的壮丽山河与悠久历史，其中《沃尔塔瓦河》最为著名，旋律优美，宛如一幅流淌的捷克风景画。歌剧《被出卖的新嫁娘》以捷克民间故事为蓝本，音乐充满捷克民族风格，节奏明快，具有浓郁的乡土气息。斯美塔那的创作激发了捷克民族自豪感，为捷克民族音乐赢得国际地位，对捷克音乐发展影响深远。

4.表现主义音乐

表现主义音乐是 20 世纪初在德奥兴起的现代音乐流派。它反对传统音乐的和谐与美感，强调直接表达内心深处的情感与潜意识，常表现出焦虑、恐惧、绝望等极端情绪。在作曲技法上，打破传统调性体系，采用无调性、十二音体系等，抛弃传统大小调的功能和声，使音乐具有强烈的不协和感与紧张度。代表作曲家有勋伯格、贝尔格等。表现主义音乐挑战了传统音乐审美观念，为现代音乐发展开辟新方向，对 20 世纪音乐发展产生深远影响。

简答题（每题15分）

中国音乐史

1.姜夔白石道人歌曲集的艺术特色与历史价值

姜夔的《白石道人歌曲集》具有独特艺术魅力与重要历史价值。艺术特色上，其曲调清新高雅，旋律优美婉转，如《扬州慢》，以悠扬的旋律营造出 “废池乔木，犹厌言兵” 的凄凉意境。在节奏处理上，灵活多变，既有舒缓的抒情，又有灵动的转折，使音乐富有韵律感与表现力。他还擅长自度曲，在创作中融入个人情感与文学素养，歌词精美，与音乐相得益彰，展现出文人音乐的独特气质。从历史价值看，《白石道人歌曲集》是现存唯一能真实反映宋代音乐风貌的歌曲集，为研究宋代音乐的调式、音阶、记谱法等提供了珍贵资料。其音乐创作风格对后世音乐发展产生深远影响，为中国古代音乐史增添了璀璨篇章，也让后人能通过音乐领略宋代文化的独特韵味。

2.萧友梅关于音乐教育的历史贡献

萧友梅是中国近代音乐教育的重要奠基人，贡献卓越。他积极引进西方音乐教育体系，创建了中国第一所专业音乐院校 —— 上海国立音乐院（现上海音乐学院前身），构建了完备的专业音乐教育架构，开设作曲、声乐、器乐等多门课程，为中国培养了大批专业音乐人才。在教学理念上，他强调中西音乐融合，主张学生既要掌握西方先进的作曲技术，又要深入研习中国传统音乐，培养出如贺绿汀等兼具中西音乐素养的优秀音乐家。此外，萧友梅还编写了众多音乐教材，如《普通乐学》等，系统介绍音乐理论知识，规范音乐术语，为中国音乐教育的规范化、专业化发展奠定基础。他的努力推动了中国音乐教育从传统向现代转型，为中国音乐事业的长远发展做出不可磨灭的贡献。

西方音乐史

1.13世纪经文歌的发展

13世纪，经文歌在西方音乐发展中占据重要地位。早期经文歌由克劳苏拉发展而来，在圣咏的固定旋律（定旋律）上添加新的声部，通常上方声部为法语世俗歌词，下方定旋律仍采用拉丁语宗教歌词，形成宗教与世俗内容并存的独特现象。随着时间推移，经文歌的声部逐渐增加，从二声部发展为三声部甚至更多声部，声部间的独立性与对比性增强，节奏也更为复杂，不同声部常采用不同节奏型，营造出丰富的音响效果。在题材上，除宗教与世俗内容外，还涉及爱情、道德等主题，表现形式更加多样化。十三世纪经文歌的发展，使复调音乐达到新高度，为后世音乐创作在声部组合、节奏运用等方面积累了宝贵经验，对西方音乐的发展产生深远影响，推动了音乐从单声音乐向多声音乐的进一步演变。

2.舒伯特艺术歌曲创作特征

舒伯特的艺术歌曲创作具有鲜明特征。在旋律方面，他的旋律优美动人，极富歌唱性，能够精准地贴合诗歌的情感与意境，如《摇篮曲》，旋律舒缓轻柔，营造出温馨的氛围。他善于运用大小调转换与丰富的和声色彩，增强音乐的情感表现力，使歌曲在简单的结构中蕴含深刻情感。在钢琴伴奏上，舒伯特赋予其重要地位，钢琴不仅是简单的陪衬，更与歌声相互交融，通过描绘场景、烘托气氛等方式，深化歌曲的内涵，如《魔王》中，钢琴以快速的三连音营造出紧张恐怖的氛围。歌词选择上，他常选用歌德、席勒等诗人的经典诗作，将文学与音乐完美结合，以细腻的音乐语言展现诗歌中的情感世界，使艺术歌曲成为一种高度融合文学与音乐的独特体裁，对后世艺术歌曲创作产生深远影响，被誉为 “艺术歌曲之王”。

论述题（每题25分）

中国音乐史

青主的音乐美学思想并谈谈你对其“音乐无国界”的认识

青主，作为中国二十世纪上半叶音乐美学理论的杰出贡献者，其音乐美学思想涵盖了音乐的本质、特殊性、社会功能等多个方面。青主在其代表作《乐话》和《音乐通论》中，系统地阐述了音乐是上界的语言这一核心观点，强调音乐作为一种超越语言的艺术形式，能够直接传达人类情感和精神。

音乐的本质与特征

青主认为，音乐是人类内心情感冲动的外化，是一种上界的语言。他强调音乐不是简单模仿具体事物，而是反映人类灵魂和复杂情感的艺术形式。这种观点体现了青主对音乐深层次的理解和独到见解。

音乐的社会功能

青主进一步探讨了音乐的社会功能，认为音乐具有治理灵魂的作用，能够影响人们的情感和精神状态。他还提出中国音乐在某些方面落后于西方，主张向西方学习，以促进中国音乐的发展。

对“音乐无国界”的认识

青主的音乐美学思想不仅局限于理论探讨，他还积极倡导音乐的普遍性和国际性。青主认为音乐是一种超越国界的艺术形式，能够连接不同文化和民族的人们。这种观点与现代社会中“音乐无国界”的理念不谋而合。

音乐作为文化交流的桥梁

在现代社会，音乐被广泛认为是最能拉近人与人之间距离的艺术形式之一。通过音乐交流，不同国家和文化背景的人们能够实现心灵的沟通和情感的共鸣。青主的音乐美学思想强调了音乐在这一过程中的重要作用。

音乐节目中的体现

近年来，一些音乐节目如《歌手》系列，通过邀请不同国籍的歌手参与，展现了音乐的跨国界魅力。这些节目不仅提升了音乐的质量，也促进了不同文化之间的交流和相互学习。青主的音乐美学思想在这些实践中得到了生动的体现。

青主的音乐美学思想不仅丰富了中国现代音乐美学的理论体系，也为我们提供了宝贵的启示。通过理解青主的音乐美学思想，我们可以更深刻地认识到音乐作为一种艺术形式的普遍价值和深远影响。同时，“音乐无国界”的理念不仅体现了青主的音乐美学思想，也为我们指明了音乐未来发展的方向。

西方音乐史

古典主义交响乐的发展与深远影响

古典主义交响乐是西方音乐史上的一个重要里程碑，它不仅在形式上达到了高度的成熟，而且在情感表达和音乐语言上也展现了丰富的多样性。18世纪中叶至19世纪初，欧洲经历了启蒙运动和工业革命，社会结构和文化氛围发生了深刻变化。这一时期，音乐逐渐从宫廷走向公众，音乐家开始享有更高的社会地位。古典主义音乐强调理性、平衡和优雅，追求形式上的完美和情感上的真挚。交响乐作为一种大型器乐合奏形式，成为了这一时期最重要的音乐体裁之一。

交响乐的形成与发展

交响乐的起源可以追溯到17世纪末的意大利，但真正的发展和成熟是在18世纪的奥地利和德国。早期的交响乐通常由三个乐章组成，分别是快板、慢板和快板。海顿对交响乐的最大贡献在于确立了四乐章结构：第一乐章通常是快板，采用奏鸣曲式；第二乐章是慢板，抒情而深沉；第三乐章是小步舞曲或谐谑曲，具有舞蹈性；第四乐章则是充满活力的快板，常采用回旋曲式或奏鸣曲式。这种结构为后来的作曲家提供了广阔的创作空间，使得交响乐成为一种多功能的音乐形式。

海顿、莫扎特和贝多芬的贡献

海顿被誉为“交响乐之父”，他对交响乐的贡献主要体现在形式的完善和情感的丰富。海顿一生创作了100多部交响曲，其中《惊愕》、《告别》、《时钟》和《伦敦》等作品最为著名。这些作品不仅展示了海顿纯朴、明朗、幽默和乐观主义的音乐风格，还通过巧妙的结构设计和丰富的和声语言，为后世作曲家树立了典范。

莫扎特在交响乐领域也有卓越的贡献。他继承了海顿的四乐章结构，但在旋律、节奏和和声上进行了创新。莫扎特的交响曲旋律优美、流畅，情感真挚，结构紧凑。例如，《第41交响曲》（K. 551，又称“朱庇特”）以其宏伟的规模和复杂的对位技巧，被认为是古典交响乐的巅峰之作。莫扎特的交响曲不仅在形式上达到了高度的完美，还在情感表达上展现了深刻的内涵。

贝多芬则将交响乐推向了新的高度。他的九部交响曲不仅是古典主义音乐的杰作，也为浪漫主义音乐的发展奠定了基础。贝多芬在交响乐中引入了更复杂的情感表达和更宏大的结构设计。例如，《第三交响曲》（“英雄”）通过扩展展开部和增加情感的深度，表达了对自由和平等的追求。《第九交响曲》（“合唱”）更是开创了交响乐中加入人声的先河，其末乐章“欢乐颂”成为了人类精神的象征。贝多芬的交响乐不仅在技术上达到了顶峰，还在思想上具有深远的意义。

古典主义交响乐的深远影响

古典主义交响乐的成熟和发展，不仅为后世作曲家提供了丰富的创作素材，还对整个西方音乐史产生了深远影响。海顿、莫扎特和贝多芬的作品不仅在当时广受欢迎，而且至今仍被广泛演奏和研究。他们的音乐风格和创作理念，为19世纪的浪漫主义音乐和20世纪的现代音乐提供了重要的借鉴。此外，古典主义交响乐的形式和结构，也为其他音乐体裁的发展提供了宝贵的参考。