最懂西南民族大学考研的团队

（扫码联系老师，免费试听西南民族大学音乐考研全套课程）

(点击试听↑↑↑）

2025年【西南民族大学717中外音乐史】真题解析！

名词解释

中国音乐史

1.江南丝竹

江南丝竹是流行于江苏南部、浙江西部、上海地区的丝竹音乐，其历史源远流长，可追溯至明清时期。音乐风格清新优雅、细腻委婉，以二胡、笛子为主要乐器，辅以扬琴、琵琶、三弦等，各乐器相互配合，演奏出和谐动听的旋律。曲目丰富多样，如《欢乐歌》《云庆》《行街》等，节奏明快活泼，充满江南水乡的韵味，生动展现了江南地区的风土人情与文化特色，深受民众喜爱，是江南民间音乐的杰出代表。

2.三分损益法

三分损益法是中国古代制定音律时所用的生律法。它以一根发音弦为基准，将其长度三等分，通过增加或减少三分之一长度，产生不同音高的音。先 “三分损一”，即减去三分之一长度，得下方纯五度音；再 “三分益一”，即增加三分之一长度，得上方纯四度音。如此循环，便可产生十二律。这一方法最早记载于《管子・地员篇》，为中国古代音乐的调式、音阶体系奠定了理论基础，对后世音乐发展，如音乐创作、乐器制作等，产生了深远影响。

西方音乐史

1.游吟诗人

游吟诗人起源于 11 至 13 世纪的法国，是中世纪欧洲的重要音乐现象。他们大多是贵族、骑士或文人，以诗歌与音乐结合的形式，在宫廷、城堡等地演唱。其歌曲题材广泛，包括爱情、战争、冒险等，音乐风格多样，旋律优美且富有抒情性，采用方言演唱，具有鲜明的地域特色。游吟诗人分为法国南部的特罗巴多和法国北部的特罗维尔，他们的创作和演唱活动促进了音乐在民间的传播，对欧洲世俗音乐的发展起到了重要推动作用，为后世音乐创作提供了丰富的素材和灵感。

2.序列音乐

序列音乐是 20 世纪现代音乐流派之一，起源于 20 世纪 20 年代。它将音高、节奏、力度、音色等音乐元素，按照一定的数学排列组合构成序列，作为音乐创作的基础。作曲家严格遵循这些序列进行创作，打破了传统音乐的调性和和声体系，使音乐各元素获得了平等的地位，极大地拓展了音乐的表现力和可能性。代表作曲家有勋伯格、韦伯恩等，以独特的序列技法，展现出全新的音乐语言，对现代音乐的发展产生了深远影响。

简答题 ‍

中国音乐史

1.简述威尔第歌剧的音乐成就

威尔第是意大利歌剧史上的璀璨巨星，他的歌剧音乐成就斐然，对后世歌剧发展产生了深远影响。

威尔第的歌剧音乐具有强烈的戏剧性。他擅长运用音乐来推动剧情发展，将音乐与戏剧紧密结合，使二者相辅相成。在他的作品中，音乐不是简单的陪衬，而是成为塑造人物、表达情感、激化矛盾的有力武器。

威尔第的旋律创作能力堪称一绝。他创作的旋律优美动听且极具感染力，易于传唱。这些旋律不仅贴合人物性格与剧情发展，还能引发观众的强烈共鸣。

在和声运用上，威尔第也有独到之处。他巧妙地运用和声来营造氛围、增强音乐的表现力。他的和声色彩丰富多样，既能够烘托出宏大的场面。

此外，威尔第还注重歌剧的整体结构布局，使各幕之间过渡自然，节奏张弛有度。他的歌剧作品以其深刻的思想内涵、精湛的音乐技巧和强烈的艺术感染力，成为意大利歌剧的经典之作，为世界歌剧艺术的发展做出了不可磨灭的贡献。

2.简述 20 世纪表现主义音乐的特征

20 世纪表现主义音乐是对传统音乐的大胆革新，展现出极为独特的风格。

在旋律上，它彻底打破传统调性体系，采用无调性或多调性手法，旋律线条不再连贯优美，而是破碎、扭曲 ，用不和谐的音程组合，直白地表达内心的紧张、焦虑与冲突，赋予音乐强烈的张力。

和声运用上，表现主义音乐颠覆传统规则，大量运用不协和和弦，且和声进行毫无常规逻辑，通过这种复杂多变的和声，营造出强烈的音响效果，直击人类内心的痛苦、恐惧等极端情绪。

节奏方面，表现主义音乐的节奏复杂多变，打破传统节拍的平稳规律。节奏时而快速跳跃，时而突然停顿，借由强烈的节奏对比，增强音乐的紧张感与戏剧性，进一步强化情感表达，让音乐充满不确定性。

内容表达上，它聚焦人类内心世界，着重表现孤独、绝望、挣扎等情绪，反映当时社会环境下人们精神上的压抑与迷茫，将深层精神状态具象化。

演唱方式上，表现主义音乐采用介于说和唱之间的 “诵唱” 方式，模糊语言和音乐的界限，更便于抒发复杂、扭曲的情感。总之，表现主义音乐为音乐创新发展开辟了新道路，影响深远。

西方音乐史

1.简述学堂乐歌的历史意义

学堂乐歌是中国近代音乐史上具有深远影响的音乐现象，诞生于清末民初的新式学堂教育中。它的出现，对当时的社会和音乐发展产生了多方面的重要意义。

在思想启蒙方面，学堂乐歌起到了关键作用。其歌词内容广泛涉及爱国、民主、科学等新思想，如《中国男儿》以激昂的歌词激励青年学子的爱国情怀和民族自豪感，《送别》则传递出对人生离别的思考，这些歌曲在校园中传唱，犹如一股思想的春风，让新思想在学生群体中广泛传播，启发了民众的觉醒，推动了社会的思想进步。

从音乐教育角度来看，学堂乐歌是中国近代学校音乐教育的开端。它改变了传统音乐教育以民间口传心授为主的方式，将音乐纳入新式学堂的正规课程体系，使音乐教育走向系统化、规范化。通过学习乐歌，学生们接触到西方的音乐理论、记谱法等知识，为培养具有现代音乐素养的人才奠定了基础，促进了音乐教育在近代中国的普及。

在音乐创作领域，学堂乐歌为中国近代音乐创作积累了经验。虽然早期多采用欧美、日本曲调填词，但在发展过程中，也逐渐出现了一些具有中国特色的原创作品，为中国近代音乐创作的起步提供了实践土壤，开启了中国音乐创作从传统向现代转型的大门。

总之，学堂乐歌在中国近代音乐发展历程中占据着重要地位，它在思想、教育、创作等多方面的贡献，对中国近代社会的发展和音乐文化的进步产生了不可磨灭的影响。

2.简述清代戏曲“四大声腔”

清代戏曲“四大声腔”，即昆腔、高腔、梆子腔和皮黄腔，在中国戏曲史上意义非凡。

昆腔：元末明初起源于江苏昆山，文化底蕴深厚。曲调细腻婉转，节奏舒缓，讲究字正腔圆，对唱功要求极高。伴奏以笛、箫为主，旋律典雅。像《牡丹亭》《长生殿》等经典剧目，一度成为清代主流声腔，深刻影响其他剧种。

高腔：源于江西弋阳，也叫弋阳腔。风格粗犷豪放，采用徒歌、帮腔的独特演唱形式，演员独唱，众人帮腔，一唱众和，戏剧氛围浓烈。其曲调高亢，节奏自由，不受乐器束缚，尽显民间音乐的质朴活力，流传中形成川剧高腔、湘剧高腔等流派。

梆子腔：以硬木梆子击节，最早出自山陕地区。唱腔高亢激越，极具北方音乐风格，旋律起伏大，节奏明快，擅表激昂悲愤之情，伴奏以板胡为主，《秦香莲》是其代表剧目，广泛传播，影响众多北方剧种。

皮黄腔：西皮、二黄的合称，是京剧、汉剧等剧种主声腔。西皮明快刚劲，二黄沉稳凝重，板式丰富，借节奏变化展现多样情绪情节。伴奏以京胡为主，搭配月琴、三弦。京剧《霸王别姬》《贵妃醉酒》里，皮黄腔运用精妙，是戏曲音乐的重要部分。

四大声腔以独特魅力丰富了戏曲表现形式，推动戏曲繁荣，为后世戏曲发展筑牢根基。

论述题

中国音乐史

论述贺绿汀的艺术成绩及其对中国音乐发展的意义

贺绿汀作为中国近现代音乐史上的一座丰碑，以其多元且卓越的艺术成就，在中国音乐发展进程中留下了不可磨灭的印记。

在音乐创作方面，贺绿汀的作品数量众多且风格各异，涵盖了钢琴曲、歌曲、电影配乐等多种体裁。以《牧童短笛》为例，这首作品不仅在旋律上采用了中国民间音乐的五声音阶，展现出中国田园风光的质朴与宁静，还在和声运用上巧妙地融入西方复调技法，使乐曲在声部间的交织中产生独特的层次感，这一开创性的融合为中国现代钢琴曲的创作指明了方向，让中国音乐在国际舞台崭露头角。《游击队歌》更是在特定的历史时期发挥了巨大的精神鼓舞作用，其以小军鼓般的节奏为基础，配合生动形象的歌词，将游击队员灵活、果敢的形象刻画得淋漓尽致，激发了无数中华儿女的爱国热情与战斗意志。而在电影配乐领域，《马路天使》中的《四季歌》和《天涯歌女》，通过婉转悠扬的旋律，精准地捕捉到了旧时代底层人民的悲欢离合，将音乐与电影情节紧密相连，提升了电影的艺术感染力。

音乐理论研究同样是贺绿汀艺术生涯的重要组成部分。他凭借敏锐的洞察力，针对当时音乐创作中存在的盲目模仿西方、忽视民族音乐传统等问题，在评论文章中提出了深刻的见解。他倡导音乐创作要立足本土，挖掘中国丰富的民间音乐资源，同时理性借鉴西方音乐技术，这一理念为中国音乐理论的发展提供了清晰的思路，促使音乐创作者在实践中不断探索民族化与现代化相结合的创作道路，推动了音乐界对创作方向的深入思考与讨论。

投身音乐教育事业的贺绿汀，始终秉持着因材施教的教育理念。他深知每个学生都有独特的音乐天赋与潜力，因此在教学过程中，会根据学生的特点制定个性化的教学方案。他不仅传授系统的音乐理论知识，如和声、曲式、复调等，还注重培养学生的演奏技巧与音乐表现力。在他的悉心教导下，许多学生日后成为了中国音乐界的中流砥柱，分布在音乐创作、表演、教育等各个领域，为中国音乐事业的全面发展注入源源不断的动力。

贺绿汀的艺术成就，无论是在音乐创作的创新实践、理论研究的深度探索，还是音乐教育的人才培养上，都为中国音乐的发展搭建了坚实的桥梁，指引着中国音乐在传承民族文化的基础上不断创新，走向世界。

西方音乐史

论述浪漫主义时期的音乐风格及特征

浪漫主义时期是音乐发展历程中一个极具特色的阶段，它在 19 世纪兴起，以独特的音乐风格和鲜明的特征，与之前的古典主义音乐形成了强烈对比，为音乐世界带来了全新的面貌。

在旋律方面，浪漫主义音乐的旋律更加自由、舒展且富有歌唱性。作曲家们不再局限于古典主义时期的规整结构，而是常常运用大幅度的音程跳跃和悠长的旋律线条，来表达强烈而细腻的情感。比如肖邦的钢琴曲，其旋律充满了诗意与幻想，时而如潺潺溪流般轻柔，时而又似汹涌波涛般激昂，充分展现出浪漫主义音乐旋律的独特魅力。

和声运用上，浪漫主义音乐有了重大突破。作曲家们开始探索更加丰富的和声色彩，频繁使用变化音和弦与不协和和弦，打破传统和声的功能束缚。瓦格纳在其歌剧作品中，大量运用半音化和声，创造出了充满张力与戏剧性的音乐效果，推动了和声语言的创新发展，使音乐的情感表达更加深刻和复杂。

节奏也是浪漫主义音乐的一大亮点。节奏变化丰富多样，强弱拍的运用不再遵循传统规则，常常出现切分节奏、不规则节奏型等，以此增强音乐的动感和活力，营造出紧张与松弛交替的氛围。柏辽兹的《幻想交响曲》中，节奏的灵活运用就为作品增添了奇幻的色彩，生动地描绘出主人公的梦幻与挣扎。

在配器方面，浪漫主义时期的作曲家十分注重乐器的色彩性和表现力。他们不断扩充乐队编制，引入新的乐器，如英国管、低音单簧管等，使乐队的音色更加丰富多样。通过巧妙的配器，能够营造出各种独特的音乐场景，如森林的幽静、暴风雨的激烈等，让听众仿佛身临其境。

音乐体裁上，浪漫主义时期也有了新的发展。除了传统的交响曲、奏鸣曲等，还涌现出了许多具有浪漫主义特色的体裁，如交响诗、夜曲、无词歌等。这些新体裁为作曲家提供了更自由的创作空间，能够更好地表达他们内心深处的情感和幻想。

情感表达是浪漫主义音乐的核心。这一时期的音乐强调个人情感的抒发，无论是爱情的甜蜜与痛苦、对大自然的热爱与敬畏，还是对理想的追求与憧憬，都成为音乐表达的重要主题。音乐不再仅仅是一种艺术形式，更是作曲家内心世界的直接反映，让听众能够深切感受到他们的喜怒哀乐。

浪漫主义时期的音乐以其独特的风格和特征，丰富了音乐的表现手段，拓展了音乐的情感边界，对后世音乐的发展产生了深远的影响，成为音乐史上璀璨的篇章。