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2025年【713中国音乐史及作品分析+858西方音乐史及作品分析】真题解析！

713中国音乐史及作品分析

一、名词解释

1.蜡辞

蜡辞是一种古老的祭歌，是我国古代人们在年终蜡祭时所唱的歌谣。它以简洁而有力的语言，表达了人们祈求土地安宁、水流归道、害虫不兴、草木繁茂等愿望，反映了远古时期人们对自然的敬畏和借助巫术咒语来控制自然的观念，是研究古代祭祀文化和原始文学的重要资料，体现了早期人类试图通过语言来影响和掌控自然的文化现象。

2.声无哀乐论

《声无哀乐论》是魏末文学家、音乐家嵇康所作的一篇音乐美学论著。其核心观点是音乐本身不存在哀乐情感，认为音乐是一种客观的音响，而人的哀乐是由自身的情感和经历所决定，与音乐本身无关，音乐只是触发人们情感的媒介。该理论强调了音乐的独立性和自律性，对传统的 “乐以象德”“审乐知政” 等音乐观念提出了挑战，在我国古代音乐美学史上具有重要地位，开启了对音乐本质等问题的深入探讨，对后世音乐理论的发展产生了深远影响。

3.潇湘水云

《潇湘水云》是一首中国古代著名的琴曲，由南宋琴家郭沔创作。当时元兵南侵，郭沔移居湖南衡山附近，常在潇、湘二水合流处泛舟，看到云水奔腾、烟雾缭绕的景象，联想到国事飘摇，遂创作此曲。曲中通过丰富的指法和多变的节奏，描绘出了云水掩映、烟波浩渺的景象，同时也寄托了作者对山河破碎的感慨和对故乡的思念之情，全曲情景交融，充满了浓郁的诗意和深邃的思想内涵，是中国古琴音乐中的经典之作。

4.八十四调

八十四调是中国古代乐律学中的一个理论概念。它以十二律旋相为宫，每律可作为宫音，构成十二种不同调高的宫调系统，而每种宫调系统又包含七种调式，这样十二律乘以七种调式便得出八十四种调式，故称八十四调。它是在古代音乐理论不断发展和实践的基础上形成的，旨在更全面、系统地规范和丰富音乐的调式体系，为音乐创作和演奏提供了更广阔的空间，对中国古代音乐的发展和传承具有重要意义，在理论上为音乐的多样化和规范化奠定了基础。

二、论述题

1.简介中国历代记谱法的发展

中国记谱法有着悠久的历史，在不同的历史时期都有着独特的发展，以下是中国历代记谱法发展的详细情况：

一、先秦时期

中国记谱法可追溯到春秋战国时期，当时礼乐盛行，为了记录乐曲，古代学者开始发明记谱法。例如管仲在领结礼时，就把有关礼乐谱写下来，其中记载的礼乐谱演奏法可视为先秦时期的记谱法。这一时期的记谱法虽然还比较原始，但为后世记谱法的发展奠定了基础。

二、汉代

东汉时期，王洪进一步发展了记谱法，开创了单音记谱术，被称为“王洪记谱法”。这种记谱法把简谱发展到一种单符号记谱，将原来的横向双符号记谱改为把符号放置在简谱的上部，呈竖着的一个字的形式，成为中国谱写乐曲的主要方式，并且广泛应用于古典歌曲中，是古代记谱法的重要发展阶段。

三、唐代

减字谱

由唐代曹柔完成了从文字谱到减字谱这一极为重要的革新。具体方式是用减笔笔划拼成某种符号作为左右两手在古琴音位上弹奏手法的标记，这是一种只记弹奏音位与方法而不记音名的记谱法，因为标明指法，也叫指法谱。到南宋时逐渐定型并沿用至今，它的出现使得大批隋唐以前的琴谱得以整理而传于后世。

燕乐半字谱

燕乐半字谱源于唐代，也是以乐器音位和手法为基础的谱式。它是早期的工尺谱谱式，在北宋沈括的《梦溪笔谈》和南宋张炎《词源》中出现，近代通行的工尺谱直接导源于此时。不过这种谱式提示性多于明晰性、含蓄性多于严密性，存在一定的局限性。

四、宋代

工尺谱

燕乐半字谱经宋代的俗字谱发展为工尺谱，到明清基本定型并广泛使用。工尺谱是文字记谱法。谱字有正、草两种书体，传统书写格式自上而下，自右而左。节奏（板眼）符号标在工尺字的右边，强拍（头板）符号为、或挢，弱拍（眼、中眼）符号为。，每句的末尾用空位表示。工尺谱有固定唱名法和首调唱名法两种，调号用正宫调、小工调等调名标示。宋、元以后，中国流传下来的大部分乐谱是用工尺谱式记写的，其中以器乐作品和戏曲唱腔为数最多，但由于记法复杂繁琐，也存在一些问题。

二四谱

二四谱也是一种音位谱，这种方法到7世纪时发展为用一根线表示F音的固定音高，而用高、低于该线的符号表示不同音高。

五、明清时期

工尺谱在明清基本定型并广泛使用，虽然在不同地区和时间其记法、唱名等略有出入，但依然是中国应用最广的唱名谱，许多老艺人还是习惯用工尺谱来记谱或演唱。不过随着时代的发展，工尺谱复杂繁琐的记法也逐渐显示出其局限性，不利于音乐的广泛传播和发展。

中国历代记谱法的发展反映了中国音乐文化不断演进的过程，从早期较为简单原始的记谱方式，逐渐发展到形式多样、功能复杂的记谱体系。这些记谱法在记录中国传统音乐、传承音乐文化方面都起到了不可替代的作用，虽然部分记谱法存在局限性，但它们都是中国音乐发展历程中的重要组成部分。

2.简介中国历代乐律学理论以及对中国音乐的影响

一、中国古代乐律学理论的发展历程

（一）酝酿期（远古及夏商）

在远古至商周之际，这一时期为歌舞乐三者紧密相关的“乐舞”时期。人们对乐、律的认识处于感性阶段。从夏、商古磬的实测音高可以看出，当时人们已经有了绝对音高观念。自新石器时期以来，在乐器制作中根据自然听觉的需要，已经有了倾向于纯律关系的调律操作。

（二）奠基期（西周）

西周时期是中国古代乐律学的奠基阶段，这一时期为后来乐律学的发展奠定了重要的基础。虽然具体的理论成果在现代的研究中可能还存在一些需要深入挖掘之处，但这一时期在乐律制度等方面的探索是具有开创性意义的。

（三）经学期（秦、汉）

京房六十律 西汉律学家京房创制了六十律理论。他在用三分损益法产生了12律之后，继续往下相生直至60律。其目的是为了解决12律旋宫音律均等的问题，同时他还制定了定律器“准”，这一理论的出现推动了律学在西汉时期的发展，对乐器调律等方面有着深远的影响 。

（四）演化期（魏晋隋唐）

何承天“新律” 南朝杰出律学家何承天创立了十分接近12平均律的新律。由于用三分损益法算出的12律存在黄钟不能还原、不能旋宫转调的缺憾，何承天的新律在很大程度上试图消除这些问题，并且他的新律是世界上最早运用数学计算的12平均律范畴的律制。这一成果反映了当时中国乐律学在解决实际音乐演奏和创作中遇到的音准、转调等问题上的探索。

荀勖笛律：西晋的荀勖是律学家，他运用“管口校正”制作出较精确的12笛，每笛适吹一律。笛律属于管律的一种，这一成果无论是在律学史上还是在物理学史上都是重要发现，它体现了当时对管乐器发声原理和音律准确控制方面的深入理解。

（五）整理期（宋元明清）

朱载堉的新法密率 朱载堉的新法密率是这一时期非常重要的乐律学成果。它在理论和实践上对乐律学有着极大的推动作用。朱载堉通过深入的研究和精密的计算，得出了科学的律制，这一成果体现了中国古代乐律学发展到一个新的高度，并且在一定程度上影响了后来音乐理论和实践的发展方向。

二、中国古代乐律学理论对中国音乐的影响

（一）乐器制作与调律

从京房六十律到荀勖笛律等理论成果，为乐器的调律提供了理论依据。例如，荀勖笛律中精确的12笛制作，使得管乐器在演奏时能够更准确地符合音律要求。乐器制作者可以根据这些理论，制作出音准更高的乐器，从而提高了音乐演奏的质量。不同的律制影响乐器的构造和发声特点。如在采用不同律制的情况下，弦乐器的弦长、张力等设置会有所不同，这直接影响到乐器的音色和音域。

（二）音乐创作与表演

何承天的新律等律制为音乐创作中的旋宫转调提供了更多可能。在创作过程中，作曲家能够根据不同的律制进行更灵活的音高组织和旋律创作。例如在大型的宫廷音乐或者民间音乐创作中，能够根据需要实现不同调性之间的转换，丰富了音乐的表现力。在表演方面，乐律学理论使得演奏者能够更准确地把握音准。无论是独奏还是合奏，演奏者依据乐律学理论进行训练和演奏，使得音乐的和谐性得到提高。

（三）音乐文化传承与发展

乐律学理论是中国古代音乐文化的重要组成部分，它的传承体现了中国音乐文化的延续性。从古代到现代，乐律学理论通过文字记载、师徒传承等方式不断传承，使得中国音乐文化在数千年的历史长河中得以保存和发展。这些理论成果还影响到周边国家和地区的音乐发展。例如，中国古代的乐律学理论传入日本、朝鲜等国家后，对当地的音乐理论和实践产生了一定的影响，促进了东亚音乐文化圈的形成和发展。

总之，中国历代乐律学理论成果丰硕，从早期的感性认识到后来的精密计算，从简单的调律观念到复杂的律制体系，这些理论对中国音乐在乐器制作、音乐创作表演以及音乐文化传承发展等方面都产生了深远而广泛的影响。

3.论述近代新音乐的兴起与发展

20世纪初，中国社会经历了剧烈的政治、经济和文化变革。这一时期，新音乐运动应运而生，成为推动中国音乐现代化的重要力量。新音乐运动不仅在音乐创作、教育和传播方面取得了显著成就，还在社会文化层面产生了深远影响。

新音乐运动的兴起可以追溯到20世纪初，尤其是五四运动之后。五四运动倡导科学与民主，对封建文化和传统观念进行了猛烈批判，这为新音乐运动的兴起提供了思想基础。1919年，北京大学音乐研究会的成立标志着新音乐运动的正式开始。该研究会由蔡元培任会长，萧友梅、杨仲子、王露、刘天华等著名音乐家被聘为导师，其宗旨是“研究音乐，发展美育”。研究会成员在丝竹、昆曲、古琴、钢琴、提琴等乐器上进行了广泛的研究和演出，极大地推动了音乐教育和普及。

新音乐运动的发展可以分为几个重要阶段。首先，1920年代至1930年代初期，新音乐运动主要集中在音乐教育和社团活动上。除了北京大学音乐研究会外，上海大同乐会、北京国乐改进社等音乐社团相继成立，这些社团在发展音乐教育、传播音乐知识和推动社会音乐活动方面发挥了重要作用。其次，1930年代中期至1940年代，新音乐运动进入了高潮阶段。这一时期，中国共产党领导的左翼音乐运动兴起，以聂耳、冼星海等为代表的音乐家创作了大量的抗日救亡歌曲，如《义勇军进行曲》、《黄河大合唱》等，这些作品不仅具有强烈的爱国情怀，还融合了西方音乐元素，开创了中国现代音乐的新纪元。

新音乐运动对中国音乐界和社会文化产生了深远影响。

首先，新音乐运动推动了音乐教育的现代化。各地音乐社团的成立和音乐教育的普及，培养了一大批优秀的音乐人才，为中国音乐的发展奠定了坚实的基础。

其次，新音乐运动促进了音乐创作的创新。聂耳、冼星海等音乐家的作品不仅在形式上突破了传统音乐的束缚，还在内容上反映了时代的精神，成为激励人民抗日救亡的重要力量。

最后，新音乐运动对社会文化的影响也不容忽视。新音乐作品的广泛传播，不仅提高了民众的音乐素养，还增强了民族凝聚力，为抗日战争的胜利作出了重要贡献。

新音乐运动是中国近现代音乐史上的一个重要里程碑，它不仅推动了音乐教育和创作的现代化，还在社会文化层面产生了深远影响。新音乐运动的成功经验为我们今天的音乐发展提供了宝贵借鉴。未来，我们应该继续传承和发扬新音乐运动的精神，不断探索和创新，推动中国音乐走向更加辉煌的未来。

曲式分析【略】：

声乐作品《山中》单三部

858西方音乐史及作品分析

1.复调音乐早期的形成和发展

复调音乐早期的形成和发展是一个漫长而丰富的过程，以下是其大致情况：

起源：复调音乐起源于9世纪的欧洲，最初是在格里高利圣咏的基础上产生的。当时的僧侣们为了丰富圣咏的音响效果，在单旋律的圣咏上方或下方添加了一条平行的旋律线，形成了简单的二声部音乐，这种形式被称为“奥尔加农”，它标志着复调音乐的萌芽。

发展 ：

12世纪出现了“华丽奥尔加农”，下方的圣咏旋律基本保持原样，但上方的旋律变得更加华丽、复杂，音符数量增多，节奏也更为多样，两个声部之间的独立性有所增强，复调音乐的特征更加明显。

13世纪“迪斯康特”风格兴起，它强调声部之间节奏的对比，各声部节奏不再像之前那样简单平行，而是有了更多的变化和呼应，旋律进行也更加灵活，使音乐的表现力进一步提高。这一时期还出现了三声部、四声部的复调音乐，音乐的和声效果更加丰富。- 14世纪法国的“新艺术”时期，复调音乐在节奏和记谱法上有了重大变革。出现了更复杂的节奏型，如等节奏技巧，通过固定的节奏型与不断变化的旋律相结合，创造出独特的音乐效果。同时，记谱法的发展也使得更精确、复杂的音乐创作成为可能，复调音乐的创作更加自由和多样化。

成熟：

15世纪佛兰德斯乐派兴起，代表作曲家有奥克冈、若斯坎等。他们将复调音乐发展到了一个新的高度，作品中各声部之间的平衡、协调达到了完美的境界，旋律优美流畅，和声丰富多变，音乐具有很强的表现力和感染力。

16世纪以帕莱斯特里那为代表的罗马乐派将复调音乐推向了成熟的巅峰。他的作品以严谨的对位技巧、纯净和谐的和声、清晰的声部线条著称，体现了文艺复兴时期的人文主义精神，成为复调音乐的经典范例，对后世复调音乐的发展产生了深远影响。

复调音乐早期从简单的奥尔加农逐渐发展成为高度复杂和成熟的艺术形式，为西方音乐的发展奠定了坚实的基础。

2.通奏低音时期的器乐发展

通奏低音时期主要是指巴洛克时期，“通奏低音”又称“数字低音”，是这一时期特有的作曲手法。这一手法的成熟与应用对器乐发展有着深远影响。

二、器乐发展的表现

体裁的创立

奏鸣曲：奏鸣曲最初源于坎佐纳的器乐合奏作品。在通奏低音时期，奏鸣曲在结构和音乐表现上不断发展。通奏低音为奏鸣曲提供了和声基础，作曲家在创作时能够利用通奏低音来构建不同的和声进行，使音乐更具逻辑性与连贯性。例如，在乐器的组合与对话中，通奏低音使得低音与高音之间的互动更加丰富，不同乐器在通奏低音的框架下能够更好地发挥各自的特色，推动了奏鸣曲从合奏形式向更成熟的器乐演奏形式演变，为后来奏鸣曲在古典主义时期的发展奠定了基础。

协奏曲：协奏曲是建立在两组不同音响对比基础之上的。通奏低音在协奏曲的发展中起到重要作用。一方面，通奏低音明确了和声框架，让独奏乐器与乐队之间的对比更加鲜明。另一方面，演奏者在通奏低音的提示下可以进行即兴演奏，这使得协奏曲在演奏上更具灵活性与表现力。例如，在维瓦尔第的协奏曲作品中，通奏低音与小提琴等独奏乐器配合默契，充分展现出乐器之间的对比与融合，体现了巴洛克时期协奏曲的独特魅力。

乐器性能与组合的发展

乐器性能的挖掘：这一时期的作曲家更加注重各种乐器的特点和性能。通奏低音的存在，促使作曲家在创作时依据乐器性能来安排音乐织体，进一步推动乐器性能的发展。

乐器组合的创新：通奏低音的演奏需要至少两种乐器配合，这促使不同乐器组合方式的出现。

通奏低音时期的器乐发展在音乐史上具有重要意义。它不仅创立和发展了重要的器乐体裁，挖掘了乐器性能，创新了乐器组合方式，还为后世音乐的发展奠定了坚实的基础。从奏鸣曲和协奏曲等体裁的发展来看，它们在后来的音乐发展进程中不断演变和完善，成为古典音乐乃至现代音乐中不可或缺的部分。同时，乐器性能的挖掘和组合方式的创新也为音乐的表现提供了更多的可能性，使音乐能够更加准确地表达各种情感和意境。

3.古典主义时期的交响乐的发展

古典主义时期，交响乐迎来了蓬勃发展，在结构、风格、创作理念等方面都发生了深刻

变化，逐渐走向成熟与完善。

结构规范

在这一时期，交响乐基本确立了四个乐章的结构模式。第一乐章通常为快板，采用奏鸣曲式，充满活力与戏剧性冲突，奠定全曲基调；第二乐章多为慢板，常以抒情旋律展现，富有歌唱性，给听众带来舒缓与沉思；第三乐章一般是小步舞曲或诙谐曲，节奏轻快，营造出优雅或活泼的氛围；第四乐章为快板或急板，常用回旋曲式或奏鸣曲式，以热烈激昂的情绪将全曲推向高潮，带来圆满的结束。

风格转变

古典主义交响乐风格简洁明晰、平衡和谐。相较于巴洛克时期的繁复，它更注重旋律的优美与清晰，以简洁的线条表达丰富情感。同时，各声部间的关系更加平衡，避免了某一声部过于突出，形成了清晰的织体结构。此外，力度变化也更为细腻，从轻柔到响亮的过渡自然流畅，增添了音乐的表现力。

创作理念革新

作曲家们开始摆脱宗教和宫廷的绝对束缚，更加注重表达个人情感与对生活的感悟。他们追求音乐的普遍性与永恒性，希望作品能引发不同听众的共鸣。例如，海顿的交响乐充满乐观、幽默的情绪；莫扎特的作品则兼具优雅与深情，带有对人性的细腻洞察；贝多芬更是将交响乐推向新高度，他的作品充满激情与抗争精神，展现出强烈的个性与对命运的挑战。

古典主义时期的交响乐在结构、风格和创作理念上的发展，为后世交响乐的进一步发展奠定了坚实基础，成为音乐史上的一座重要里程碑。

4.20世纪早期音乐风格特征

20 世纪早期音乐呈现出多样化、创新性的风格特征，主要体现在以下几个方面：

和声与调性

传统的大小调体系受到强烈冲击，作曲家开始探索新的和声语言。如阿诺德・勋伯格提出的十二音体系，完全摒弃了传统的调性中心，使十二个半音处于平等地位，打破了听众对传统和声进行的预期，带来了全新的听觉体验。同时，不和谐音大量使用且不再需要解决，增强了音乐的紧张感和刺激性。

节奏与节拍

节奏变得极为复杂和多变，不再局限于传统的节拍规律。频繁出现切分音、不规则的节奏型以及各种节奏的交错叠加，如巴托克的作品中常使用不对称的节拍和复杂的节奏组合，使音乐充满活力与动力。此外，节奏有时甚至超越旋律成为音乐的核心要素，通过节奏的不断变化推动音乐的发展。

旋律与音色

旋律不再追求优美流畅和易于记忆，常常出现大跳、不连贯的进行，呈现出碎片化、无逻辑的特点，以表现主义音乐为典型。在音色方面，作曲家不断挖掘各种乐器的新音色，甚至使用非传统乐器或对传统乐器进行特殊演奏处理，如用钢琴内部弦的拨奏等，还将不同乐器进行独特的组合，以创造出新奇、独特的音响效果。

曲式结构

传统的曲式结构被打破，不再遵循严格的奏鸣曲式、回旋曲式等。作品的结构更加自由灵活，有时甚至没有明显的段落划分，具有很强的即兴性和偶然性，为音乐带来了更多的不确定性和新鲜感。

5.从音乐教育or音乐表演出发，谈谈浪漫主义某一作曲家的风格；（或者结合一个浪漫主义时期的作品，论述如何演奏或教学）

从音乐教育出发看肖邦的音乐风格

肖邦是浪漫主义时期著名的作曲家和钢琴家，他的作品对钢琴音乐的发展产生了深远的影响。

二、音乐风格特点

（一）旋律的独特性

歌唱性与抒情性

肖邦的旋律具有很强的歌唱性，就像一首优美的歌曲在钢琴上流淌。例如他的夜曲，其旋律线条如同人声在轻轻哼唱，充满了诗意与柔情。在《降E大调夜曲》中，旋律婉转悠扬，音符之间的衔接自然流畅，仿佛在诉说着无尽的情感。这种歌唱性的旋律使得他的作品在音乐教育中成为培养学生对旋律美感理解的绝佳范例。

民族性

肖邦的旋律中融入了波兰的民族音乐元素。他将波兰民间音乐中的曲调特点融入到创作中，如玛祖卡舞曲中的典型节奏型和旋律特征。玛祖卡舞曲是肖邦作品中具有鲜明民族特色的体裁，其旋律常常带有波兰民间音乐那种质朴、活泼又略带忧伤的情感。这有助于在音乐教育中让学生了解不同民族音乐文化对作曲家创作的影响，拓宽学生的音乐文化视野。

（二）和声的创新

色彩性和声的运用

肖邦在和声方面有很多创新之处。他善于运用色彩性和声来营造独特的音乐氛围。在他的作品中，经常使用一些非传统的和弦进行，如不协和和弦的巧妙处理。以《革命练习曲》为例，作品中通过强烈的不协和和弦的碰撞，表达出了肖邦对祖国遭受侵略的悲愤之情。在音乐教育中，学生可以通过学习肖邦的和声运用，了解到和声不仅仅是一种结构支撑，更是表达情感和营造氛围的重要手段。

和声的细腻变化

肖邦的和声变化非常细腻，他能够通过微小的和声调整来改变音乐的情感色彩。这种细腻性在他的叙事曲等作品中表现得尤为明显。在音乐教育过程中，教师可以引导学生仔细聆听肖邦作品中和声的微妙变化，培养学生敏锐的音乐感知能力。

（三）情感的深度与多样性

爱国情感

肖邦的许多作品都蕴含着深厚的爱国情感。由于波兰在当时处于被列强瓜分的境地，肖邦被迫流亡国外，但他的心中始终怀着对祖国的热爱。除了爱国情感，肖邦还善于表达细腻的个人情感，如爱情、孤独、忧郁等。他的夜曲中常常流露出淡淡的忧伤和孤独感，而他的圆舞曲中又可能蕴含着爱情的甜蜜与浪漫。这种情感的多样性使得肖邦的作品在音乐表演和音乐教育领域都具有很高的价值。学生可以通过演奏肖邦的作品，深入理解不同情感在音乐中的表达方式。

三、对音乐教育的意义

提高音乐审美能力

肖邦的作品以其高度的艺术性和情感深度，能够极大地提高学生的音乐审美能力。学生在学习和演奏肖邦作品的过程中，逐渐学会分辨音乐中的美丑，理解不同音乐元素是如何共同构建出一个充满魅力的音乐世界的。

培养演奏技巧

肖邦的作品在演奏技巧方面有很高的要求。他的练习曲专门针对钢琴演奏的各种技巧进行训练，如手指的灵活性、力度的控制等。同时，他的其他体裁作品也需要演奏者具备精湛的技巧才能准确地表达出音乐中的情感。通过学习肖邦的作品，学生的钢琴演奏技巧能够得到全面的提升。

传承音乐文化

肖邦作为浪漫主义时期的重要作曲家，他的音乐风格和创作理念是音乐文化的重要组成部分。在音乐教育中推广肖邦的作品，有助于传承浪漫主义时期的音乐文化，让学生了解音乐发展的历史脉络，为音乐文化的传承和发展做出贡献。

综上所述，肖邦的音乐风格在音乐教育领域有着不可替代的重要意义，他的作品无论是从旋律、和声还是情感表达等方面，都为音乐教育提供了丰富的素材和深刻的启示。

曲式【略】：

格里格《狩猎者之歌》复三