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2025年【泉州师范学院801中外音乐史】真题解析！

名词解释

中国音乐史

1.减字谱

减字谱是古琴专用的记谱法，由文字谱简化演变而来。它把古琴演奏中的指法、弦序、徽位等关键信息巧妙组合成独特的减字符号，像 “勹” 代表 “勾” 指法 ，“木” 代表 “抹” 指法。这种记谱法极为简洁，大大方便了古琴演奏者记录和演奏。以往用文字谱记录复杂的指法组合十分繁琐，而减字谱能快速呈现，使学习者能更高效地掌握古琴曲目，极大地推动了古琴艺术的传承与发展，是古琴音乐得以流传至今的重要工具。

2.青主

青主是中国近代音乐领域的重要人物，集音乐理论家和作曲家身份于一身。他早年留学德国，起初学习军事，后毅然投身音乐事业。其音乐理论著作《乐话》《音乐通论》，系统且深入地探讨了音乐美学等诸多问题，主张音乐应是个人情感的抒发。在音乐创作方面，他以古诗词为素材，创作了如《大江东去》等作品，通过独特的音乐语言，将中国古典文学的韵味展现得淋漓尽致，为中国近代音乐理论和创作的发展注入了新的活力。

3.玫瑰三愿

《玫瑰三愿》是黄自创作的经典艺术歌曲。歌曲旋律优美流畅，宛如潺潺溪流，充满诗意。采用拟人化手法，借玫瑰之口表达对青春永驻、爱情美满、生活美好的向往。其和声运用精妙细腻，与旋律配合得天衣无缝，充分展现了黄自高超的作曲技巧。这首歌曲不仅在当时备受赞誉，还为中国近代艺术歌曲的发展提供了典范，推动了中国艺术歌曲走向成熟。

4.昆山腔

昆山腔即昆曲，是中国古老且极具影响力的戏曲声腔。它起源于元末明初的江苏昆山地区，曲调极为细腻婉转，故有 “水磨腔” 的美誉。其表演形式丰富多元，融合了唱、念、做、打等多种艺术手段，剧本也具有较高的文学价值。昆山腔对众多戏曲剧种的形成和发展影响深远，像京剧、越剧等都在不同程度上借鉴了昆曲的元素，因而被誉为 “百戏之祖”，在中国戏曲史上有着举足轻重的地位。

西方音乐史

1.格里高利圣咏

格里高利圣咏是中世纪天主教音乐的代表，因罗马教皇格里高利一世而得名。它属于单声部音乐，旋律平稳舒缓，节奏自由随性，歌词采用拉丁文，内容围绕宗教礼拜展开。其风格庄重肃穆，营造出神圣的宗教氛围。格里高利圣咏是西方音乐发展的基石，后来的复调音乐等都在其基础上逐渐发展演变，在中世纪欧洲的宗教音乐领域占据着主导地位，对西方音乐文化的传承和发展意义重大。

2.乐队协奏曲

乐队协奏曲是巴洛克时期独特的音乐体裁。通常由乐队中的某一组乐器，如弦乐器组，与整个乐队相互呼应、交替竞奏。在演奏过程中，乐器组之间存在鲜明的音色对比，弦乐器的柔美与管乐器的明亮相互映衬；力度对比也十分明显，从轻柔的弱奏到激昂的强奏。这种体裁极大地推动了乐队演奏技巧的进步，丰富了音乐的表现力，成为巴洛克音乐不可或缺的重要组成部分。

3.正歌剧

正歌剧诞生于 17 世纪的意大利，是一种风格严肃的歌剧体裁。多以神话、历史故事为题材，剧情较为复杂曲折。它十分注重美声唱法，着重展示声乐技巧，咏叹调在其中占据核心地位，常采用 ABA 三段式结构。其音乐风格华丽庄重，在 18 世纪的欧洲音乐舞台上独占鳌头，众多著名作曲家都投身正歌剧创作，对歌剧艺术的发展和完善起到了关键作用，为后世歌剧发展奠定了基础。

4.无词歌

无词歌是门德尔松首创的钢琴小品体裁。它虽没有具体歌词，但旋律优美动听，如同歌曲一般，具有浓郁的抒情性。篇幅通常较短，却能细腻地表达各种情感和意境。比如《春之歌》，通过钢琴灵动的音符，展现出春天生机勃勃的景象，充满温馨与希望。无词歌凭借钢琴丰富的音色，为钢琴音乐创作开拓了新的领域，深受人们喜爱。

简答题

中国音乐史

1.简述 J.S.巴赫的历史贡献

J.S. 巴赫堪称西方音乐史上的一座丰碑，其卓越成就对中国音乐的发展亦产生了不可忽视的影响。在创作领域，巴赫的作品体裁极为广泛，康塔塔、赋格曲、奏鸣曲等众多体裁中都有其经典之作。他的复调音乐造诣登峰造极，《平均律钢琴曲集》便是其复调音乐的集大成者。这部作品对 24 个大小调进行了全面且深入的探索，精心构建起精妙绝伦的复调结构，声部之间相互交织、呼应，犹如一场精彩的对话。其严谨的逻辑和丰富的变化，为后世音乐家提供了复调创作的珍贵范例，启发了无数创作者对复调音乐的深入研究与创新。

在音乐理论方面，巴赫对和声、对位理论的运用与发展，极大地完善了西方音乐理论体系。这些理论传入中国后，为中国音乐家打开了全新的创作思路，促使他们积极学习西方音乐技术，将其融入到自身的创作中，推动了中国音乐创作的多元化发展。在音乐教育领域，巴赫的作品更是成为经典教材。中国音乐院校在作曲、复调课程中，常常以其作品为蓝本进行深入讲解，帮助学生深刻理解音乐结构与创作技巧，培养了众多优秀音乐人才，有力地推动了中国音乐教育事业的发展。

2.罗西尼歌剧创作特征

罗西尼作为意大利歌剧创作的杰出代表人物，其作品风格鲜明独特，在歌剧史上留下了浓墨重彩的一笔。旋律方面，他的作品优美流畅且极具感染力，如《塞尔维亚的理发师》中的咏叹调，旋律灵动活泼，洋溢着浓郁的喜剧色彩，极易传唱，能够迅速抓住听众的耳朵，让人们沉浸在欢快的音乐氛围中。在节奏运用上，罗西尼大胆创新，采用明快多变的节奏，使音乐充满活力与动感，极大地增强了音乐的戏剧性效果，让观众仿佛置身于紧张刺激的戏剧场景之中。

在歌剧结构上，他极为注重营造戏剧冲突，剧情紧凑合理。常常以精彩绝伦的序曲开场，瞬间吸引观众的注意力，随后通过巧妙的剧情设置和音乐推进，将故事层层展开，情节跌宕起伏，扣人心弦。在演唱风格上，罗西尼的歌剧着重强调美声唱法，十分注重演唱者声乐技巧的展示。演唱者通过华丽的高音演绎和巧妙的花腔运用，将角色的情感与性格展现得淋漓尽致，使演唱极具观赏性。他的创作风格不仅极大地推动了意大利歌剧的蓬勃发展，更为世界歌剧艺术的繁荣增添了璀璨光彩，其作品至今仍在全球舞台上频繁上演，深受观众喜爱 。

西方音乐史

1.赵元任歌曲艺术特征

赵元任是中国近代音乐发展进程中的重要开拓者，其歌曲创作具有鲜明且独特的艺术特征。在歌词选择上，他倾向于具有深刻内涵和较高文学价值的诗词，例如他将刘半农的经典诗作《教我如何不想他》谱写成曲，使得歌曲充满了浓郁的诗意，赋予了音乐深厚的文化底蕴。在旋律创作方面，赵元任巧妙地将中国民族音乐元素与西方作曲技法相融合。以《卖布谣》为例，他采用了中国民间音乐的音调，保留了民族音乐的独特韵味，同时在和声上进行大胆创新，使旋律既具有中国传统音乐的优美婉转，又符合西方音乐的和声逻辑，展现出独特的艺术魅力。

在音乐表现上，他尤为注重音乐与歌词情感的高度契合，通过细腻的旋律和恰当的节奏，生动地展现出歌曲的意境，让听众能够深切感受到歌曲所传达的情感。并且，他十分关注语言韵律与音乐节奏的配合，使歌曲在演唱时自然流畅，易于听众理解和接受。赵元任的歌曲创作极大地推动了中国近代音乐的发展，为中国现代歌曲创作开辟了新的道路，对后世音乐创作产生了深远的影响 。

2.新歌剧《白毛女》艺术特征

新歌剧《白毛女》具有鲜明独特的艺术特色，在中国歌剧发展史上具有里程碑式的意义。在音乐方面，它大量汲取中国民间音乐素材，对河北民歌《小白菜》等进行改编创新，使音乐充满了浓郁的民族风格，让观众能够感受到深厚的民族文化底蕴。同时，它积极借鉴西方歌剧的创作手法，巧妙运用多声部合唱，极大地增强了音乐的表现力和感染力，营造出宏大的音乐场景。

在剧情方面，《白毛女》以民间传说为基础，通过讲述喜儿的悲惨遭遇，深刻地反映了旧中国农民所遭受的苦难以及他们对压迫的顽强反抗，具有强烈的时代感和深刻的教育意义，引发了广大观众的共鸣。在表演形式上，它融合了歌唱、表演、舞蹈等多种艺术形式，演员们通过精彩的演唱、生动的表演和优美的舞蹈，将角色形象刻画得栩栩如生，给观众带来了丰富的视听享受。《白毛女》的出现标志着中国新歌剧走向成熟，为中国歌剧的发展奠定了坚实的基础，对后世歌剧创作产生了深远的影响，成为中国歌剧艺术的经典之作 。

论述题

中国音乐史

1.论述《诗经》各类作品的艺术特征

《诗经》是中国古代最早的诗歌总集，成书于西周初年至春秋中叶，收录了自西周初年至春秋中叶约500年的诗歌305篇。作为古代音乐与文学的结合体，《诗经》不仅记录了丰富的古代音乐形式与内容，也蕴含了深厚的音乐美学意义。

艺术手法与形式

《诗经》的艺术手法主要包括“赋”、“比”、“兴”。其中，“赋”是直接陈述事物，表达情感；“比”是通过比喻来抒发情感；“兴”则是通过自然景物的描写引发情感。这些手法使得《诗经》的诗歌内容丰富多彩，情感真挚动人。此外，《诗经》的诗歌多采用四言体，每句四个字，简洁明快，便于传唱。在章法上，《诗经》常采用重复反复的手法，通过重复相同的句子或段落，强化诗歌的节奏感和韵律美。

风、雅、颂的艺术特征

《诗经》中的诗歌按内容和用途分为“风”、“雅”、“颂”三类，各自具有独特的艺术特征。

风：《风》是《诗经》中最富有民间色彩的部分，共160篇，主要收录各地民歌。这些民歌反映了普通百姓的生活、爱情、劳动和社会风俗。《风》的诗歌语言朴实自然，情感真挚，节奏明快，多采用平仄格律，通过不同字句的抑扬顿挫产生美妙动听的韵律感。

雅：《雅》分为《大雅》和《小雅》，共105篇，主要收录贵族阶层的诗歌。《雅》的诗歌内容多涉及政治、道德、礼仪等方面，语言典雅庄重，情感较为含蓄。《雅》的诗歌在形式上更加规整，多采用对仗、押韵等手法，营造出和谐稳定的音乐效果。

颂：《颂》共40篇，主要用于宗庙祭祀和重大典礼。《颂》的诗歌内容多为歌颂祖先功德和国家大事，语言庄严肃穆，情感庄严神圣。《颂》的诗歌在形式上更为严谨，多采用重复和变奏的手法，通过对相同或相似的音乐元素进行改变和再现，提升作品的艺术表达力。

《诗经》与音乐的关系

《诗经》不仅是诗歌的集合，也是音乐的载体。在古代，诗歌与音乐密不可分，许多《诗经》中的诗歌都是在音乐的伴奏下演唱的。《墨子》中提到“诵诗三百，弦诗三百，歌诗三百，舞诗三百”，说明《诗经》中的诗歌不仅用于诵读，还用于弦乐演奏、歌唱和舞蹈。《诗经》中的诗歌通过合理的音节安排、声调变化和节奏设计，具备了强烈的音乐性。例如，《诗经》中的许多诗歌都采用了平仄相间的格律，通过平仄变化营造动听的韵律效果。此外，《诗经》中还出现了多种乐器，如琴、瑟、钟、鼓等，这些乐器的使用进一步丰富了诗歌的音乐表现力。

结论

《诗经》作为中国古代音乐与文学的瑰宝，不仅在艺术手法和形式上独具特色，还在音乐表现上展现了深厚的艺术魅力。通过“风”、“雅”、“颂”三类作品的艺术特征，我们可以更好地理解《诗经》在古代社会中的多重功能和深远影响。《诗经》不仅是中国古代音乐史上的重要文献，也是研究古代音乐文化的重要资源。

西方音乐史

1.论述浪漫主义德国歌剧

浪漫主义时期是音乐史上的一个重要阶段，它以情感的自由表达、个性化的创作和丰富的想象力为特征。这一时期，德国歌剧经历了显著的发展，不仅在音乐语言上取得了突破，还在戏剧结构和主题内容上展现了独特的魅力。

浪漫主义德国歌剧的兴起

浪漫主义德国歌剧的兴起可以追溯到19世纪初，其中最重要的奠基人之一是韦伯。韦伯的歌剧《自由射手》于1821年首演，被认为是德国第一部浪漫主义歌剧。这部作品以其浓郁的德国风格和浪漫气息，成功地将民间传说与音乐融为一体，开创了德国浪漫主义歌剧的新纪元。

随后，瓦格纳成为了浪漫主义德国歌剧的另一位重要代表。瓦格纳不仅在音乐上进行了大胆的创新，还在戏剧结构和舞台呈现上提出了新的理念。他的“乐剧”概念主张音乐、戏剧、诗歌和视觉艺术的综合，代表作品包括《尼伯龙根的指环》和《特里斯坦与伊索尔德》。

此外，其他重要的作曲家如门德尔松和施特劳斯也在这一时期创作了许多优秀的歌剧作品，进一步丰富了德国歌剧的多样性。

浪漫主义德国歌剧在艺术特色上具有以下几个显著特点：

音乐语言：浪漫主义德国歌剧的音乐语言丰富多样，注重情感的表达。作曲家们常常使用复杂的和声和丰富的旋律线条，以增强音乐的感染力。例如，瓦格纳的“无终旋律”技术，通过不断变化的旋律线，使音乐具有连贯性和流动性。

戏剧结构：浪漫主义德国歌剧在戏剧结构上更加复杂，注重情节的推进和人物的心理刻画。作曲家们通过音乐和剧情的紧密结合，创造出许多富有戏剧性的场景。

主题内容：浪漫主义德国歌剧的主题内容丰富多彩，涵盖了个人情感、社会现实和历史事件。常见的主题包括爱情、冒险、神秘和超自然现象。这些主题不仅反映了作曲家们的个人情感，也体现了当时社会和文化的变革。

浪漫主义德国歌剧对后世产生了深远的影响。首先，瓦格纳的“乐剧”概念和音乐创新对20世纪的音乐创作产生了重要影响。许多后世的作曲家，如理查德·施特劳斯和古斯塔夫·马勒，都在不同程度上受到了瓦格纳的影响。其次，浪漫主义德国歌剧的戏剧结构和音乐语言也为现代歌剧的发展提供了重要的启示。例如，施特劳斯的《莎乐美》和《埃莱克特拉》在戏剧性和音乐性上都借鉴了瓦格纳的风格。

此外，浪漫主义德国歌剧在音乐史上的地位不容忽视。它不仅丰富了歌剧这一艺术形式，也为后世的音乐创作和表演提供了宝贵的经验和灵感。无论是从音乐语言的创新，还是从戏剧结构的探索，浪漫主义德国歌剧都为音乐史的发展做出了重要贡献。

总之，浪漫主义德国歌剧不仅是音乐史上的一个重要篇章，也是人类艺术宝库中的瑰宝。通过对其艺术特色的分析和影响的探讨，我们可以更好地理解和欣赏这一时期的音乐作品。