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2025年【烟台大学726中外音乐史论】真题解析！

名词解释

中国音乐史

1.减字谱

减字谱是古琴的一种记谱法，由文字谱发展而来。它将古琴文字谱的指法、术语减取其较具特点的部分组合而成，用独特的减字拼成符号记录左手按弦指法和右手弹奏指法，比如 “大指九徽勾三弦” 就会简化成一个特定的减字符号。这种记谱法大大简化了记谱方式，方便记录和传承古琴曲，让众多经典古琴曲目得以流传至今，对古琴艺术的传承和发展起到了关键作用 ，是中国古代音乐记谱法的重要创新。

2.《白石道人歌曲》

它是宋代音乐家姜夔所著的词曲谱集。其中包含了祀神曲《越九歌》10 首、词调歌曲 17 首、自度曲 14 首等。这些作品不仅有歌词，还有较为珍贵的古乐谱，是研究宋代音乐的重要文献资料。姜夔的自度曲更是独具特色，在旋律、节奏等方面展现出他独特的音乐创作才华，其音乐风格清婉、高雅，对后世音乐创作和音乐理论研究具有极高的价值。

3.新法密率

这是明代朱载堉所创立的律学理论，也是世界上最早用等比数列方法将一个八度音程分为十二个半音的理论。朱载堉通过精密计算，成功解决了历代在旋宫问题上存在的矛盾。该理论将计量学、旋宫法、生律法等多方面理论与实践相结合，实现了黄钟还原，为音乐理论和实践的发展开辟了新道路，对中国乃至世界音乐文化的发展都产生了深远影响，是中国古代音乐科学的一项重大成就。

4.上海国立音专

全称为 “国立音乐院”，是中国第一所独立建制的高等专业音乐学府，于 1927 年在上海创立。它由蔡元培等人发起，萧友梅担任首任校长。学校聘请了众多国内外优秀的音乐教师，采用西方音乐教育体系，开设作曲、声乐、钢琴等多种专业课程，培养了大批优秀的音乐人才，如贺绿汀、刘雪庵等。上海国立音专在中国音乐教育史上具有里程碑意义，为中国现代音乐教育的发展奠定了坚实基础，推动了中国音乐事业的专业化进程。

5.马思聪

马思聪是中国现代著名作曲家、小提琴家与音乐教育家。他自幼接触音乐，后赴法国留学深造。回国后，他积极投身音乐创作与教育事业。马思聪的作品风格独特，将中国民间音乐元素与西方作曲技巧巧妙融合，代表作《思乡曲》旋律优美，饱含对家乡的眷恋之情，极具感染力。在音乐教育方面，他培养了许多优秀的音乐人才，为中国音乐事业的发展作出了重要贡献，在中国近现代音乐史上占据重要地位。

西方音乐史

1.波罗奈兹舞曲

起源于波兰的一种庄重、缓慢的三拍子舞曲，也叫波兰舞曲。它的节奏特点鲜明，常以一个重音开始，赋予舞蹈以庄重感。波罗奈兹舞曲风格华丽，充满贵族气息，最初在宫廷和贵族社交场合中流行，后逐渐成为具有民族象征意义的音乐体裁。肖邦的波罗奈兹舞曲将其艺术价值提升到新高度，他在其中融入了波兰民族的历史与情感，如《英雄波兰舞曲》，以宏大的气势展现出波兰人民的英雄气概，充满了爱国主义精神。

2.托卡塔

是一种节奏紧凑、快速且技巧性较强的器乐曲体裁。它通常具有即兴演奏的特点，注重乐器的演奏技巧展示，旋律多为连续的快速音符，以营造出热烈、辉煌的音乐效果。托卡塔的历史较为悠久，在巴洛克时期尤为盛行，管风琴托卡塔是当时的重要表现形式，如巴赫的《d 小调托卡塔与赋格》，其开篇以震撼的快速和弦展现出强大的气势，随后与赋格部分相互呼应，成为托卡塔体裁的经典之作，充分展示了管风琴的表现力。

3.强力集团

又称 “五人团”，是 19 世纪 60 年代在俄罗斯形成的一个音乐创作团体，成员包括巴拉基列夫、鲍罗丁、居伊、穆索尔斯基和里姆斯基 - 科萨科夫。他们致力于创作具有俄罗斯民族风格的音乐作品，反对当时音乐界盲目模仿西欧音乐的倾向。他们深入研究俄罗斯民间音乐，将民间音乐素材融入到作品中，如穆索尔斯基的《图画展览会》，以独特的音乐语言描绘俄罗斯的风土人情和民间故事，作品具有浓郁的民族特色，对俄罗斯民族音乐的发展起到了重要推动作用。

4.游吟诗人

原指中世纪欧洲的一种诗人兼音乐家，他们多在宫廷、贵族府邸或民间演唱自己创作的诗歌和音乐。游吟诗人的作品题材广泛，包括爱情、战争、英雄事迹等，其音乐风格自由、抒情，通常采用简单的旋律和灵活的节奏，易于传唱。在歌剧领域，威尔第创作的歌剧《游吟诗人》是经典之作，这部歌剧以其复杂的剧情、鲜明的人物形象和动人的音乐而闻名。剧中包含了多首著名的咏叹调，如《铁砧合唱》，节奏明快，展现出独特的音乐魅力，成为音乐史上的不朽篇章。

5.新浪漫主义

是 20 世纪 70 年代后兴起的一种音乐流派，它是对浪漫主义音乐的回归与发展。新浪漫主义音乐在保留浪漫主义音乐注重情感表达、强调旋律优美等特点的基础上，融入了现代音乐的创作技法和理念。它突破了传统调性的束缚，同时又运用丰富的和声色彩来营造出独特的音乐氛围。其代表人物如塞缪尔・巴伯，他的作品《弦乐柔板》以缓慢、深情的旋律，展现出深刻的情感内涵，既有浪漫主义的抒情特质，又带有现代音乐的创新元素，在当代音乐中独树一帜。

简答题

中国音乐史

1.简述时期儒家音乐思想。

儒家音乐思想在古代中国音乐发展历程中占据重要地位，其核心观点蕴含着深刻的哲学思考与社会价值观念。孔子作为儒家学派的创始人，主张 “乐与政通”，认为音乐与政治紧密相连，音乐的兴衰反映着国家政治的清明与混乱。他强调音乐的社会功能，认为好的音乐能够起到教化民众、移风易俗的作用，如《韶》乐，“尽美矣，又尽善也”，体现了音乐应具备形式美与内容善的统一。同时，儒家倡导 “中和” 之美，追求音乐在情感表达上的适度与和谐，避免过度的喜乐哀伤，认为这样的音乐能使人内心平和，进而促进社会的稳定与和谐。

儒家音乐思想对后世产生了极为深远的影响。在漫长的历史进程中，它成为了中国传统音乐理论的重要基石。历代统治者多将儒家音乐思想作为制定音乐政策的依据，通过音乐来维护社会秩序、宣扬道德规范。例如，在宫廷雅乐的发展中，严格遵循儒家的音乐等级制度，不同身份地位的人在音乐使用上有着明确的规定，以此彰显封建等级秩序。在民间，儒家音乐思想也深入人心，影响着民间音乐的创作与传承，民间音乐注重情感的含蓄表达，追求和谐的美感，正是 “中和” 思想的体现。儒家音乐思想不仅在中国音乐史上留下了深刻的印记，还传播到周边国家，对东亚地区的音乐文化发展产生了积极的推动作用，成为东方音乐文化的重要精神内核。

2.简述学堂乐歌。

学堂乐歌诞生于清末民初，是中国社会变革时期的产物。当时，随着新式学堂的兴起以及西学东渐的影响，传统音乐教育模式已无法满足社会发展需求。为了培养适应新时代的人才，学堂乐歌应运而生。它主要在新式学堂中开展，以唱歌为主要教学形式，引进西方的音乐理论和歌曲，同时也融入了一些具有时代特色的内容。这些歌曲的旋律大多来自欧美、日本等国家的流行曲调，经过重新填词，赋予了新的含义。歌词内容涵盖了爱国、民主、科学等新思想，旨在启迪学生的智慧，激发他们的爱国热情，如《中国男儿》就以激昂的歌词和旋律，激励着青年学子为国家富强而努力。

学堂乐歌在音乐发展史上有着重要意义。从教育角度看，它是中国近代音乐教育的开端，将音乐纳入正规教育体系，让更多人接触到音乐教育，培养了学生的音乐素养和审美能力，为后来中国音乐人才的培养奠定了基础。从文化传播角度讲，学堂乐歌传播了新思想、新文化，打破了传统音乐题材的局限，以通俗易懂的方式将新的价值观传递给大众，对社会思想启蒙起到了积极作用。而且，学堂乐歌促进了中西音乐文化的交流与融合，在吸收西方音乐元素的同时，也保留了部分中国传统音乐特色，为中国现代音乐的发展开辟了新道路，成为中国音乐从传统走向现代的重要桥梁 。

西方音乐史

1.简述交响诗。

交响诗诞生于 19 世纪中叶，由匈牙利作曲家李斯特首创。当时浪漫主义思潮盛行，音乐家们渴望突破传统音乐体裁的束缚，寻求更自由的音乐表达形式。交响诗便是在这样的背景下应运而生，它是一种单乐章的标题交响音乐，将文学、绘画等其他艺术形式与交响乐相结合，以音乐来描绘特定的情境、故事或情感。与传统交响乐不同，交响诗不受固定曲式结构的限制，作曲家可以根据内容自由地组织音乐素材，使音乐更贴合所表达的主题。例如，李斯特的《前奏曲》以其宏大的结构和丰富的音乐表现力，展现了人生的不同阶段和对未来的探索，成为交响诗的经典之作，为后来的作曲家提供了创作范例，开启了标题音乐的新篇章。

交响诗具有独特的艺术价值和深远影响。在艺术表现上，它通过音乐独特的表现力，将抽象的情感和复杂的故事生动地展现出来，让听众能够在音乐中感受到文学作品的意境或绘画作品的画面感。比如，斯美塔那的《我的祖国》，以六个乐章分别描绘了捷克的自然风光、历史文化等，使听众仿佛身临其境，感受到捷克的独特魅力。从音乐发展角度看，交响诗推动了音乐与其他艺术形式的融合，拓展了音乐的表现领域，为后来的作曲家提供了更多的创作思路和可能性。它的出现丰富了音乐体裁，在音乐史上占据着不可或缺的地位，对后世音乐的发展产生了深远的影响，让交响乐这种艺术形式更加贴近大众的生活和情感。

2.简述歌剧改革。

歌剧改革发生于18世纪，当时的歌剧在发展过程中逐渐出现弊端。早期歌剧多以神话、历史故事为蓝本，过度注重华丽的舞台布景和歌唱家炫技，而忽视了音乐与戏剧的内在联系，导致剧情空洞、音乐形式僵化。启蒙运动的兴起为歌剧改革提供了思想土壤，人们呼吁艺术回归自然、真实，追求质朴的情感表达。在这样的背景下，歌剧改革应运而生，旨在打破传统歌剧的束缚，重塑歌剧的艺术价值。

德国作曲家格鲁克是歌剧改革的关键人物。他主张歌剧应 “质朴、真实、自然”，将音乐的目的回归到为戏剧服务上。在他的改革实践中，简化了过于复杂的咏叹调，使旋律更贴合剧情与人物情感；削弱了歌唱家无节制的炫技，让音乐与戏剧的融合更加紧密；同时，在乐队运用上，强调其烘托气氛、推动剧情的作用，而非单纯的伴奏。例如他的歌剧《奥菲欧与尤丽狄茜》，以简洁的音乐语言和深刻的情感表达，展现了真挚的爱情故事，摒弃了传统歌剧中的繁杂元素，成为歌剧改革的典范之作。格鲁克的歌剧改革对后世歌剧发展影响深远，它为歌剧的发展指明了新方向，让歌剧在艺术表达上更加成熟，后世的作曲家如莫扎特、瓦格纳等都在其基础上进一步发展和创新，推动歌剧艺术不断走向新的高峰。

论述题

中国音乐史

论述新秧歌运动对新歌剧《白毛女》创作的影响。

新秧歌运动兴起于 20 世纪 40 年代初的延安，是一场具有广泛群众基础的文艺运动。它以陕北地区传统秧歌为基础，融入了新时代的革命内容和现实生活元素，展现出强大的生命力和感染力，对新歌剧《白毛女》的创作产生了多方面的深远影响。

在题材选择上，新秧歌运动强调文艺要反映现实生活，服务人民群众。这一理念促使创作者深入民间，挖掘百姓身边的故事。《白毛女》的故事正是取材于民间传说，将贫苦农民杨白劳和喜儿的悲惨遭遇以及喜儿的反抗经历搬上舞台，反映了当时社会的阶级矛盾和人民的苦难生活，契合了新秧歌运动所倡导的关注现实、贴近群众的创作导向，使作品具有强烈的时代感和现实意义，能够引发观众的强烈共鸣。

音乐风格方面，新秧歌运动广泛吸收了民间音乐素材，将陕北民歌、民间小调等融入秧歌音乐中，形成了独特的具有民族风格的音乐语言。《白毛女》在音乐创作上深受其启发，大量运用了河北、山西等地的民间音乐元素，如喜儿的主题音乐就借鉴了河北民歌《小白菜》的旋律，以其哀怨、凄婉的曲调，生动地展现了喜儿的悲惨命运和痛苦心情。同时，在音乐创作中还巧妙地结合了西方歌剧的创作手法，如和声、复调等，使音乐既有浓郁的民族特色，又具有丰富的表现力，为新歌剧的音乐创作开辟了新的道路。

在表演形式上，新秧歌运动强调群众的参与性和互动性，形式简单、灵活，易于被广大群众接受。《白毛女》在创作时充分考虑了观众的接受程度，在表演形式上进行了创新，既保留了传统戏曲中唱、念、做、打的表演特点，又融入了话剧的表演手法，使人物形象更加生动立体，剧情更加连贯流畅。这种通俗易懂、贴近群众的表演形式，使得《白毛女》在广大群众中迅速传播，成为了新歌剧的经典之作。

新秧歌运动在题材、音乐风格和表演形式等方面为《白毛女》的创作提供了丰富的养分和坚实的基础。《白毛女》的成功，不仅是新秧歌运动成果的集中体现，也标志着中国新歌剧的发展走向成熟，为中国现代音乐的发展树立了典范，对后世的音乐创作产生了深远的影响。

西方音乐史

对比论述奏鸣曲和奏鸣曲式。

奏鸣曲和奏鸣曲式虽名称相近，但有着本质区别。

奏鸣曲是一种多乐章的器乐套曲体裁，起源于 16 世纪，在 18 世纪后得到充分发展。它通常由三到四个乐章组成，每个乐章都有其独特的速度、情绪和结构特点，各乐章之间相互关联又相对独立，共同构成一个完整的音乐作品。第一乐章多为快板，采用奏鸣曲式，充满活力与戏剧性；第二乐章一般是慢板，抒情而富有歌唱性，用于表达深沉的情感；第三乐章常为小步舞曲或谐谑曲，节奏轻快，风格优雅或诙谐；第四乐章多为快板或急板，以热烈的气氛结束全曲。奏鸣曲常见于钢琴、小提琴等乐器的独奏作品，也有乐器与乐队的协奏形式，如贝多芬的《月光奏鸣曲》，凭借其独特的音乐表达，展现出作曲家内心丰富的情感世界，成为音乐史上的经典之作。

奏鸣曲式则是一种曲式结构，是组成奏鸣曲等体裁中某些乐章的常用结构形式。它主要由呈示部、展开部和再现部构成。在呈示部中，会出现两个性格不同的主题，主部主题通常较为活泼，副部主题则相对抒情，二者通过连接部过渡，形成对比。展开部是对呈示部的主题进行各种变化发展，通过转调、模进等手法，使音乐产生强烈的戏剧性冲突和紧张感。再现部则是对呈示部主题的回归，一般会将主部和副部统一在主调上，给人一种稳定、圆满的结束感。例如莫扎特《g 小调第 40 交响曲》的第一乐章，就巧妙运用奏鸣曲式，通过主题的呈示、展开与再现，展现出丰富的音乐层次和强烈的情感张力。

可以看出，奏鸣曲是一种音乐体裁，涵盖多个乐章，具有特定的乐章组合规律和情感表达逻辑；而奏鸣曲式是一种曲式结构，主要用于组织单个乐章的音乐素材，通过主题的发展和对比来构建音乐的戏剧性和逻辑性。奏鸣曲包含了奏鸣曲式等多种曲式结构，奏鸣曲式则是奏鸣曲中重要乐章常用的结构形式，二者相互依存又有着明确的区分。它们共同在音乐创作和发展中发挥着关键作用，为音乐爱好者带来了无尽的艺术享受。